Madrid es una ciudad rica en arte e historia, albergando algunas de las pinacotecas más importantes del mundo entre las que se encuentran el Museo de Prado o el Museo Thyssen-Bornemisza. Más allá de las obras maestras conocidas, como el Guernica de Pablo Picasso o el Jardín de las delicias de El Bosco, se esconden joyas menos afamadas que merecen ser desveladas. Proponemos un recorrido alternativo, si estás haciendo para planes en Madrid para el puente de octubre, en el que podrás explorar los rincones ocultos de las pinacotecas madrileñas, para descubrir piezas intrigantes y menos conocidas que enriquecen la experiencia de cualquier amante del arte.
Museo del Prado: La extracción de la piedra de la locura de El Bosco
Entre las obras que podemos encontrar en el Museo del Prado está La extracción de la piedra de la locura que pintó El Bosco alrededor de 1501. Esta peculiar pintura representa una operación quirúrgica surrealista para extraer una piedra del cerebro de un hombre, simbolizando la cura de la locura. La escena, llena de simbolismo, muestra a un cirujano, una monja y un fraile, todos participando en el procedimiento. El Bosco, conocido por sus visiones fantásticas y moralistas, ofrece aquí una crítica a las prácticas médicas y la superstición de su tiempo. Este cuadro, menos conocido que su Jardín de las Delicias, invita a reflexionar sobre la percepción de la locura y la medicina en la Edad Media.
Museo Reina Sofía: La bouteille d’anis de Juan Gris
En el Museo Reina Sofía, La bouteille d’anis de Juan Gris emerge como una obra cubista de notable distinción. Ejecutada en 1914, esta pieza descompone una icónica botella de anís en formas geométricas y planos superpuestos, centrando su análisis en una de las etiquetas más célebres de la historia de la producción patria de bebidas espirituosas. Gris, eminente figura del cubismo, emplea una paleta de colores sobrios y una rigurosa estructura compositiva para forjar una imagen que desafía la percepción tradicional. La obra encarna la búsqueda incesante de Gris por aprehender la esencia del objeto desde múltiples perspectivas, rompiendo con los cánones representativos convencionales. La bouteille d’anis se erige como testimonio elocuente de la evolución del cubismo y de la inigualable maestría técnica de Gris.
Museo Thyssen-Bornemisza: El beso de Theodore Géricault
Jean-Louis André Théodore Géricault, un pilar del Romanticismo francés, es célebre por sus obras cargadas de dramatismo y dinamismo, que capturan la esencia de las emociones humanas más intensas como la archiconocida La balsa de la Medusa. Entre su vasto repertorio, El beso emerge como una obra de particular interés, destacando por su capacidad para conjugar pasión y técnica de manera sublime. Pintada en el apogeo de su carrera, El beso es una representación magistral del fervor amoroso, envuelto en un aura de misterio y sensualidad. La composición, aunque aparentemente sencilla, revela la maestría de Géricault en el manejo del claroscuro y la anatomía humana. Los cuerpos entrelazados de los amantes, delineados con una precisión casi escultórica, parecen vibrar con una energía contenida, capturando un momento de éxtasis suspendido en el tiempo. Mucho menos conocido que otros «besos» como el de Gustav Klimt este cuadro que parece una proyección bidimensional de una escultura de Bernini destaca por su capacidad para transmitir una palpable intensidad emocional.
Museo Sorolla: La siesta de Joaquín Sorolla
Este cuadro, pintado en 1911, es una joya concebida durante el estío familiar en San Sebastián, captura a la esposa del artista, sus dos hijas y una prima, tumbadas sobre un prado verde, envueltas en un sopor vespertino. Sorolla, en un acto de audaz modernidad, emplea un ángulo en picado que suprime el horizonte, infundiendo a la composición una energía cinética que desafía la quietud del momento. Las pinceladas, ora largas y fluidas en el césped, ora densas y matéricas en los rostros y pliegues de los vestidos, revelan una destreza técnica que va más allá del mero realismo. Esta pieza no sólo es un testimonio de la capacidad de Sorolla para capturar la luz y la textura con una libertad expresiva inusitada, sino que también refleja una intimidad doméstica en su ámbito personal, alejándose de las demandas comerciales del mercado. Sin duda, La siesta es una obra que invita al espectador a perderse en su intrincado juego de luz y sombra, movimiento y quietud. No recomendamos ir a verla después de comer si aún tiene que continuar con el recorrido.
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando: La caridad romana de Jan Jassens
La caridad romana de Jan Janssens es una obra que representa la esencia del Barroco flamenco, un período donde el dramatismo y la emotividad alcanzan su apogeo. Este óleo sobre lienzo, realizado en 1624, es una magistral interpretación del tema clásico de Cimón y Pero, inmortalizado por Valerio Máximo. Janssens, con su destreza sin par, nos presenta a Pero, una joven de deslumbrante belleza, amamantando a su anciano padre Cimón, encarcelado y condenado a morir de inanición. La obra destaca por su composición audaz y su juego de luces y sombras, características que demuestran la influencia de Caravaggio en la obra de Janssens. La iluminación tenebrista, que centra la atención en los rostros de los personajes, añade una dimensión teatral y profundamente emocional a la escena, subrayando la devoción filial y el sacrificio. El tratamiento meticuloso de las texturas y los detalles, desde los pliegues de las vestiduras hasta las arrugas del rostro de Cimón, confiere a la pintura una verosimilitud que trasciende el mero realismo, invitando al espectador a una reflexión sobre la moralidad y la virtud en tiempos de adversidad.
Fundación Mapfre: L’attente du retour des pêcheurs de Henry Moret
En la Fundación Mapfre de Madrid, del nueve de septiembre al cinco de enero hay una exposición sobre el marchante de arte Paul Durand-Ruelel y entre las obras que se podrán ver destaca L’attente du retour des pêcheurs de Henty Moret. Se trata de una obra maestra que encapsula la serenidad y el dinamismo del impresionismo bretón. La composición es un ballet visual donde el cielo y el mar se funden en un abrazo de tonos azulados y verdes, salpicados por la cálida luz del crepúsculo. Las figuras femeninas, vestidas con los trajes tradicionales bretones, están dispuestas con un naturalismo que contrasta armoniosamente con el vibrante paisaje circundante. Moret, influenciado por su maestro Paul Gauguin, utiliza una paleta rica y saturada, aplicada con pinceladas rápidas y fluidas, que dota a la escena de una vivacidad casi táctil. Este lienzo captura la serena anticipación de las mujeres esperando el regreso de sus maridos pescadores. El detallado tratamiento de la luz y el color en la obra de Moret refleja su profundo entendimiento de los paisajes marinos y la vida cotidiana en las comunidades costeras. La técnica impresionista se manifiesta en la habilidad del artista para captar el momento efímero y la atmósfera emocional, infundiendo a la escena una calidad casi poética. Las pinceladas dinámicas y la armonía cromática no solo realzan la belleza del entorno natural, sino que también subrayan la conexión íntima entre las figuras humanas y su entorno.
Museo Lázaro Galdiano: El Salvador adolescente, atribuido a Giovanni Antonio Boltraffio
Acabamos nuestro recorrido con El Salvador adolescente, atribuido a Giovanni Antonio Boltraffio, una de las obras más valoradas del Museo Lázaro Galdiano. Esta pintura destaca por su estrecha relación con el maestro Leonardo da Vinci, bajo cuya supervisión se realizó alrededor de 1490-95. La pintura, de pequeño tamaño, pero de inmensa significación, ha sido admirada desde su adquisición a finales del siglo XIX. La obra representa a Jesús adolescente, de frente, con su cabello dividido en dos partes que caen sobre sus hombros, mostrando una fuerte influencia del estilo leonardesco. Este óleo sobre tabla ha sido objeto de múltiples estudios y controversias sobre su atribución. A pesar de las dudas sobre su autoría directa, expertos como Alfonso E. Pérez Sánchez y André Chastel reconocen su importancia dentro del taller de Leonardo, calificándola como «un Leonardo no autógrafo» debido a su ejecución bajo las directrices del maestro. La obra captura la atención por su técnica meticulosa y su capacidad para transmitir una profunda emoción, consolidándose como una joya en la colección del museo.
