Dilatar una toma y dejar de brazos cruzados a la sala de montaje es algo que no puede permitirse mucha gente. En el fondo el cine está compuesto de cortapegas y elipsis, de una estructura que no requiere de la filmación maratoniana para facilitar la narrativa. Pero cuando alguien decide juguetear con los límites del medio y realizar malabarismos con lo que sucede delante de la cámara estirando la toma hasta límites impensables el resultado es fascinante por contradictorio: una escena de duración notable o un plano secuencia tienen la capacidad de introducir al espectador por completo en la película al mismo tiempo que le hace ser consciente de lo difícil que ha sido llevar a cabo para el equipo de rodaje todo aquello que está ocurriendo en la misma. Romper la barrera invisible del film haciendo patentes las barreras técnicas y de planificación del medio. El director se la saca y el público le aplaude con la boca abierta por osado.
Orson Welles abría Sed de mal con tres minutos y medio sin cortes, un escenario con multitud de personajes y una bomba. Años más tarde Jean-Claude Van Dame protagonizaba un extraño experimento llamado JCVD que comenzaba con una lluvia de hostias, mucho especialista rebotando y se prolongaba durante tres minutos y medio sin cortes.
El arte de rodarlo más grande, más largo y muchas veces sin cortes.
[Aviso: está cargado de SPOILERS]
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La habitación del pánico (2001)
David Fincher nos encerró en una casa y a las víctimas de un asalto en una habitación sellada. Desenvainó su obsesión por pasear el objetivo por recovecos inviables con remiendos por ordenador y artesanía en el escenario para conseguir mostrar un allanamiento filmado por la cámara imposible: aquella que no se refleja en los cristales y se cuela por dentro del asa de una cafetera.
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Magnolia (1999)
O los ojos de Paul Thomas Anderson saltando, de manera elegante y eficaz, de personaje en personaje durante el trayecto por el estómago de una cadena de televisión.
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Hard boiled (1992)
John Woo, antes de dar el salto a Hollywood y poner a Nicolas Cage a hacer el mono delante de un espejo y a Tom Cruise a hacer el mono en general, perpetró Hard boiled y se sacó del pantalón un maravilloso, coreografiado y complejo tiroteo en el que la cámara iba a rebufo de una espectacular masacre en las tripas de un hospital. Woo andaba poco suelto de pasta, y pese a que la idea era filmarlo todo en un único plano (y a que el equipo de la película estaba tan encantado con la escena como para trabajar gratis) finalmente tuvo que unir dos escenas de manera sigilosa.
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El reportero (1975)
Michelangelo Antonioni sublime en una escena de siete minutos, por la que se pasean todos los personajes relevantes de la trama, situada en un hotel de Sevilla. Durante la misma el acontecimiento más importante sucede fuera de plano y se remata al espectador con un final desasosegante en el que participan la chica de la película y la verdadera mujer del hombre que ha usurpado una identidad. Existe cierta confusión sobre como Antonioni pudo llevar a cabo la toma que cierra El reportero, porque Jack Nicholson afirmaba en el comentario del DVD que el hotel de la película se construyó de la nada con el objetivo de hacer que aquella cámara atravesase aquel enrejado. Pero los documentos de producción afirmaban lo contrario, Antonioni utilizó un edificio existente e hizo que la cámara volase por un hueco imposible tirando de bisagras y mucha maña fuera de plano.
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Días extraños (1995)
Kathryn Bigelow, mucho antes de triunfar con las bombas de En tierra hostil, dirigía una película en la que los recuerdos se podían revivir desde un punto de vista subjetivo. El equipo de Bigelow se fundió un año ideando una cámara que imitase la perspectiva y el movimiento del punto de vista de una persona. Y para empezar fuerte situó de golpe al espectador en un atraco en primera persona. Parecía un único plano pero no lo era, la postproducción se aprovechó de los movimientos rápidos de la cámara para intercalar discretamente los cortes.
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Timecode (2000)
Una locura de idea. Timecode se compone únicamente de cuatro planos y no se ha realizado ningún tipo de edición de postproducción para unirlos entre sí. El truco reside en la presentación: el film de Mike Figgins divide la pantalla en cuatro partes y en cada una de ellas se desarrolla una sección de la historia rodada en una única toma. Para evitar la tentación de hacer trampa en el montaje el director obligó a los actores a cambiar su vestuario cada una de las veces que se volvía a rodar la(s) película(s) del tirón. Tiene un problema que la ha condenado a un olvido colectivo: el resultado no es tan interesante como la idea.
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Thai dragon (2005)
Nadie ha dicho que la toma larga tenga que ser un ejemplo de delicadeza y contemplación. Mucha atención a la batidora de hostias a lo largo de varios pisos, sin cortes y con sicarios volando hacía el suelo de Thai dragon. Cuatro maravillosos minutos de matrícula de honor para especialistas del cine de acción con Tony Jaa revoloteando y haciendo revolotear a todos los demás.
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La hoguera de las vanidades (1990)
Brian De Palma vive una relación de puro vicio con los planos largos. La hoguera de las vanidades adaptaba la novela del mismo título del mítico Tom Wolfe y comenzaba con el personaje de Peter Fallow (Bruce Willis) y su distinguida presencia haciendo gala de buenos modales mientras surfeaba una resaca tsunami. Lo mejor es la sensación de estar casi seguro de que en algún momento relativamente cercano la rutina diaria de Willis fue exactamente igual que la de Fallow.
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El juego de Hollywood (1992)
La leyenda dice que la intro de El juego de Hollywood estaba totalmente improvisada y que Robert Altman rodó un buen puñado de tomas para quedarse finalmente con una de las primeras. Ocho minutos de autoreferencias al plano largo exento de ediciones y propuestas locas (El graduado II, ahí es nada) en un orgánico hormiguero hollywoodiense.
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Hunger (2008)
La cinta de Steve McQueen sobre la huelga de hambre del 81 de los prisioneros republicanos irlandeses contaba con algo totalmente inusual: un plano de 17 minutos con una cámara estática sosteniéndose en Michael Fassbender y Liam Cunningham hablando cara a cara.
Apunte: El clip enlazado de YouTube solo incluye la mitad de la charla.
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Notting Hill (1999)
Julia Roberts y Hugh Grant, la chica con la sonrisa de 44 dientes que protagonizó Pretty woman y el amigo de las pretty women callejeras con un mechón revoltoso. Nadie espera demasiado de una comedia romántica cocinada para la taquilla y Roger Michell no necesita de cabriolas pero se permitía un capricho: la imagen de un paseo al ritmo del melancólico Ain’t no sunshine de Bill Whiters, con un itinerario que no solo avanza por las calles, sino también a través de las estaciones y el tiempo: esa chica embarazada que al inicio de la toma trastea entre los tenderetes es la misma que cierra la escena sosteniendo a su bebé en brazos.
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Elephant (2003)
Gus Van Sant es como esa vieja que se pone delante de ti en la cola del supermercado y decide que puede pagar con monedas de céntimo cantidades de tres cifras: no tiene prisa. Elephant revivía la masacre de Columbine y Van Sant ponía a prueba a los más impacientes centrando el objetivo de la cámara en chicos con camisetas del toro de Osborne y persiguiéndolos en su recorrido por los pasillos escolares, retando a gritos al botón de fast forward.
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Dai Si Gin (Breaking news) (2004)
El muy prolífico director hongkonés Johnnie To goza de bastante éxito comercial en sus tierras y por aquí es un desconocido aun siendo muy de pasear por festivales (Breaking news asistió con corbata a Cannes). Dai Si Gin es una de las tres películas que dirigió To durante el 2004, y pese a que tampoco da demasiadas alegrías tiene un plano inicial muy bestia de siete minutos con el operario de cámara a lomos de una grúa, saltando de un lado a otro en una callejuela de los suburbios, que comienza con un periódico aleteando desde un tejado y desemboca en un tiroteo espectacular.
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El resplandor (1980)
Un niño. Un triciclo. Un hotel. El ruido de las ruedas del juguete al pasar sobre las alfombras. El soberbio Kubrick y su gloriosa puesta en escena.
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Soy Cuba (1964)
Mikhail Kalatozov a los mandos de lo que iba a ser una épica poética finalmente rebarnizada de propaganda financiada por el Gobierno soviético. Colores políticos al margen Soy Cuba proponía un viaje fascinante a través de una lente que revoloteaba desde las calles saturadas a los interiores de los edificios de manera inexplicable. Todo tan brillante, espectacular y maravilloso estéticamente como casero: el equipamiento usaba más de ingenio, cuerdas y artilugios, que de medios profesionales. Existe una película documental (Soy Cuba: O Mamute Siberiano) que se dedica a desenmarañar secretos del rodaje y el proceso de creación del brutal (y difícilmente igualable) despliegue visual de Kalatozov.
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Y tu mamá también (2001)
Siete minutos de charla sobre pajas y coitos adobados con tequila y jukebox. Alfonso Cuarón calentando los motores de Maribel Verdú, Diego Luna y Gael Garcia Bernal.
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Uno de los nuestros (1990)
Uno de los nuestros es ese tipo de cosas que deberían ser proyectadas en las escuelas: Robert De Niro, Ray Liotta y Joe Pesci como dream team de los mafias y Martin Scorsese orquestando la función y proyectando hacia el celuloide ocurrencias tan impresionantes como el plano del Copacabana. Una toma continua que empieza en las calles, atraviesa cocinas y acaba persiguiendo una mesa en primera fila. Una obra de orfebrería en lo que a timing, composición, iluminación y «ponerse de acuerdo» se refiere que, según se dice, solo necesitó de ocho tomas para alcanzar el resultado perfecto.
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El demonio de las armas (1950)
Cuando una película propone un atraco a un banco por norma general la gente espera en algún momento contemplar eso: un atraco a un banco. Joseph H. Lewis tenía estilo propio y prefirió voltear lo previsible filmando el asalto a la entidad bancaria desde el interior del coche que espera en la calle para facilitar la huida.
Y mostrando sin cortes el paseo rodado (de diálogo improvisado) y la posterior escapada. H. Lewis demostró que se limpiaba los morros con la elipsis inherente, aunque eso era algo que se podía esperar de alguien cuyo concepto de dirección de actores se basó en decirle a John Dall que su personaje «nunca había tenido la polla tan dura» por alguien que no fuera la Annie Laurie Starr interpretada por Peggy Cummins.
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Boogie nights (1997)
Paul Thomas Anderson o el segundo director después de Stanley Kubrick que rueda una película que gira en torno a un monolito. Boogie nights retrataba a Marky Mark como un actor porno de nombre resplandeciente (Dirk Diggler) y entrepierna hermanada con la dote de John Holmes. Thomas Anderson se permitía presumir de destreza cinematográfica durante toda la película, comenzando con ese plano que (tras girar el ángulo para permitir leer un letrero) camina por las calles y se adentra en una fiesta para presentar en cucharadas a los protagonistas, un paseo con tanto estilo que incluso los de Empire Magazine le dedicaron un estupendo mapa infográfico. Y continuando con momentos como aquella escena de la fiesta en la piscina, con inmersión acuática para el operario de cámara e inspiración confesa en Soy Cuba.
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Una jaula de grillos (1996)
La Cage aux Folles era una obra teatral de 1973 escrita por Jean Poiret cuyo éxito en Francia la llevó a reconvertirse unos años después en película de producción francoitaliana (Vicios pequeños), que tuvo también suficiente fama como para generar dos secuelas (La jaula de las locas y La jaula de las locas: Ellas se casan) y un musical de Broadway que adaptaba la obra de teatro. En 1996 Robin Williams y Nathan Lane protagonizarían el remake americano de la comedia con drags: Una jaula de grillos, más conocida que sus predecesoras gracias al bombo promocional que rodea a lo estadounidense.
Pero ¿alguien se ha fijado realmente en cómo empieza Una jaula de grillos? Un plano aéreo que aterriza en tierra y se encamina hacia el interior de un night club gay en plena celebración drag. Tan complejo en su realización (en realidad son tres tomas diferentes, cosidas y debidamente acompasadas con truquitos varios) como sorprendente en este tipo de película.
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La guerra de los mundos (2005)
Steven Spielberg rehaciendo la novelesca broma de H. G. Wells podía parecer una gran idea pero acabó estancándose en un pasatardes ligeramente entretenido. Aun así, Spielberg tuvo algún momento de lucidez apoyándose en el colchón de la Industrial Light & Magic: la escena de la huida familiar en coche. Lo realmente notorio de la secuencia es descubrir que pese al continuo revoloteo el espectador no siempre es consciente de que ese plano, en continuo movimiento de 360º sobre el vehículo, es físicamente imposible de rodar si el operario de la cámara no está filmando en todo momento subido a una escoba voladora.
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Kill Bill Vol. 1 (2003)
Que Quentin Tarantino se lo estaba pasando teta con Kill Bill estaba bastante claro incluso antes de que la japonesa con la bola de pinchos apareciera. Pero resultaba más obvio cuando el hombre se dedicaba al juguete visual: el grupo The 5,6,7,8’s ponían ritmo surfero a un plano muy loco que combinaba perspectivas aéreas, paredes transparentes y un paseo escaleras arriba y abajo que tardó seis horas y 17 tomas en ser construido y que dejó al operario de cámara (Larry McConkey, un caballero de abultada carrera) hecho unos zorros.
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El arca rusa (2002)
—Hola, soy Aleksandr Sokurov y tengo en mente una película que repasará 300 años de la historia rusa navegando por su arte. Solamente necesito un equipo de 4500 personas (de los cuales 2000 serán actores), tres orquestas, una cámara digital, adecentar 33 habitaciones del Museo del Hermitage en San Petersburgo y un presupuesto de locos.
—Vale, Sokurov, sin problema.
—Quiero rodarlo todo en una única toma de 90 minutos.
—Uvedoble. Te. Efe.
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Doom (2005)
Llevar Doom al cine tampoco era una gran idea. Al menos no pagando la Universal y centrándose en la tercera entrega numerada de la franquicia. Andrzej Bartkowiak despachó un producto del montón con The Rock y Karl Urban disparando en Marte. El detalle inesperado fue permitirse aquella escena de cuatro minutos imitando la perspectiva de los FPS de videojuego, un plano con 14 días de rodaje sobre su lomo y probablemente más tiritas digitales que el resto de los que componen esta lista.
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El espejo (1975)
El espejo de Andrei Tarkovsky era el modo que tenía el ruso de buscar su reflejo en imágenes a través de recuerdos y presumiendo de una improvisación que alentaba el proceso creativo. Tanto es así que incluso Vadim Yusov, encargado de la fotografía de todas sus películas hasta entonces, se negó a trabajar en esta viendo el percal. La ruta aparentemente inconexa de los relatos que construyen el conjunto cobija tomas maravillosas, como esta escena del granero en llamas de (al igual que toda la película) inexplicable capacidad hipnótica.
Obsérvese con atención. Imagínese a cualquier otro director detrás de la cámara. Eso.
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Old boy (2003)
Chan-wook Park mezclando Final Fight con la bricomanía, haciendo desaparecer una pared para el espectador y convirtiendo una tómbola de hostias en una escena memorable dentro de una película no menos memorable.
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Week end (1967)
Jean-Luc Godard se agarra el paquete con las dos manos y dice: «te vas a comer siete minutos de un atasco viéndolo pasar coche a coche». Y te los comes.
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Expiación (2007)
Ser consciente de la magnitud de algo no siempre es fácil en la pantalla donde todo suele lucir más artificial y preprogramado. Expiación proponía, con un despliegue fascinante de extras y medios, un paseo por un escenario cargado de detalles.
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Armonías de Werckmeister (2000)
When you watch my movies, please don’t speculate. Just trust your eyes and listen to your heart. I’m always telling this to the audience, don’t think too much, just listen.
Béla Tarr
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La soga (1948)
La locura de Alfred Hitchcock era intentar rodar La soga del tirón pero las restricciones técnicas le obligaban a hacerlo en secciones de diez minutos (era lo que el rollo de celuloide de la época permitía) y camuflar la transición de los cortes atenuándolos con objetos, exceptuando aquellos cortes bruscos que se correspondían al momento en el que durante la proyección se debía cambiar la bobina de película. El trabajo artesanal para llevar a cabo tal empresa requirió de un escenario con elementos móviles para permitir el paso del equipo, un fondo de Manhattan maquetero que variaba según avanzaba el tiempo y una planificación milimetrada de todo lo que ocurría.
El resultado es parte de la historia del cine.
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Hijos de los hombres (2006)
El mexicano Alfonso Cuarón venía de participar en la saga Harry Potter fascinado con lo que se podía hacer exprimiendo al departamento de FX, y para Hijos de los hombres se puso bravo y desplegó todo un arsenal que explotaba en la escena inicial, dejaba con la boca abierta en aquella escena imposible e increíble en el interior de un coche, y tocaba cima con todos los honores al mostrar un paseo por un campo de batalla en plena actividad bélica como nunca antes se había hecho e incluyendo en el mismo salpicaduras en la cámara (el director de fotografía convenció a Cuarón de no eliminar unas gotas furtiva). Sí, la magia digital camuflaba la edición y engañaba al ojo, pero la audacia de la puesta en escena de Hijos de los hombres es algo que hasta ese 2006 nadie había logrado.
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PVC-1 (2007), Pig (2010), La casa muda (2010), The silent house (2011)
El arca rusa no es la única película filmada olvidándose por completo del montador. La colombiana PVC-1 dirigida por Spiros Statholulopoulos secuestraba a su víctima y la convertía en una bomba con un par de tuberías de plástico durante 85 minutos. Pig proponía un festival gore (que al final no era para tanto) y 70 de sus 90 minutos consistían en una sola toma. Y la uruguaya La casa muda jugaba al terror con cuatro luces y una escena sin cortes de 80 minutos llamando lo suficiente la atención como para generar un remake americano al año siguiente con la desconocida de las tres hermanas Olsen.
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Snake eyes (1998)
Lo mejor de Snake eyes eran, sin mucha discusión, los 12 primeros minutos de Snake eyes. Incluían un puñado de cortes camuflados, eso sí.
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El secreto de sus ojos (2009)
Tanto Spielberg, tanto Scorsese, tanto De Palma y luego llega un argentino y deja a todo el público noqueado, enmudecido y con dificultades para sentarse a riesgo de absorber el taburete. Juan José Campanella volvió a casa con un Oscar en la mano, y si bien la película cojeaba frente a sus competidoras directas en aquella gala, una cosa era innegable: la escena del estadio (tras la revelación de «la pasión» como gasolina de las personas y pese a que tiene mucha postproducción implicada) es uno de los planos más acojonantes que se han podido ver en una película.
Una corrección: Es «Notting Hill», no «Nothing Hill».
Un comentario: «Rope» the Hitchcock es mi favorita de todas estas. Una maravilla.
Fantástica recopilación. Me ha venido muy bien, tal día como hoy, estar durante unos buenos 20 minutos entretenida y pensando en secuencias que tenía olvidadas, aprendiendo de otras y dándome cuenta de que algunas, no las recordaba como «sin cortes».
La de Campanella, efectivamente «acojonante» y con no tanta postproducción implicada como parece… el recorrido y el salto se hicieron cámara en mano y a pelo y el actor, creo que se hizo bastante pupa al caer. Eso cuentan.
Saludos.
Saludos y gracias
Quizás no entre dentro de esta lista, pero he hechado un poco de menos la escena del espejo de Contact.
https://www.youtube.com/watch?v=SxwU3tETBUE
Pingback: Más grande, más largo y (casi) sin cortes
Y el comienzo de La vaquilla, de Berlanga?
El hotel de la película de Antonioni (Hotel La Gloria) se sitúa en el pueblo de Osuna (Sevilla), según aparece en la agenda que el personaje interpretado por Nicholson «hereda» del traficante de armas.
En realidad el hotel y la escena final se localizan en un pueblo de Almería (Vera), donde se rodó la escena.
Aquí el «cómo se rodó» de la escena de «El secreto de sus ojos». Recién cazado de Youtube. Y sí, mucha postproducción.
http://www.youtube.com/watch?v=OBeYm2aPKCw
Ok. Yo me había quedado sólo con estos comentarios:
http://www.lasexta.com/videos-online/sexta3/escena-mas-dificil-javier-godino_2012092600033.html
Es que es muy buena…
Gracias por el vídeo.
Con «Soy Cuba», pasa lo mismo que con las películas de Leni Riefenstahl: las imágenes son tan bellas que te olvidas de toda la propaganda que hay detrás.
Una trabajadora del museo que hacía prácticas en el Monasterio de Piedra me contó que eran poco más de 800 los actores de El arca rusa.
Revisad planos secuencia de ‘Maridos y Mujeres’, de Woody Allen. Genial.
Fantástico artículo, me has dado muchas películas para agregar a la lista de lo que debo ver!
Mi aporte: el estupendo plano secuencia de «Hanna» de Joe Wright: http://www.youtube.com/watch?v=DZzcxcKPcrI (en verdad es un poco más larga)
Saludos!
Siempre me gustó la escena final de «el tercer hombre»
«Plácido» coñooooo, coreografía pura…
Efectivamente. La genialidad de Berlanga estaba en que casi no movía la cámara, movía a los personajes, entraba un grupo, salia otro… creo que pocos directores sabían hacer eso y que resultase tan natural.
Y lo unico que basta aserca de kubrick, simplemente: sobervio y gran puesta en escena!!! me encanto!
Y un ejemplo perteneciente a ese cine moderno llamado series de televisión: cómo arranca el S1E01 de Dowton Abbey, ese vuelo por la vetusta mansión saltando de sirviente en sirviente…
Más grande y más largo: Sleep, de Warhol: 5 horas y media.
Con un par.
Genial también aquel plano secuencia de Brian de Palma en «Vestida para matar» donde la mujer sale del edificio y se mete en el museo.
Pero también hay quien abusa de ésto. «Secuestro Express» está compuesta sólo por planos secuencia y se me hizo insoportable (a la par que muy, muy pretenciosa)
De Spielberg, el plano secuencia de las arañas mecánicas en «Minority report», homenaje confeso al de «Snake eyes».
Y de Gaspar Noé citar «Irreversible», rodada a base de planos secuencia de unos diez minutos cada uno y «Enter the void», con un larguísimo principio rodado en visión subjetiva del protagonista, y haciendo algo que nunca había visto hasta ese momento: incluir los parpadeos.
Me gustaría reseñar también a otro genio actual: Michael Haneke.
No será muy glamuroso pero en La escopeta nacional de Berlanga hay un plano secuencia de 10 minutos maravilloso, con contínuas entradas y salidas de personajes… pues eso, al estilo Berlanga.
Como dicen muchos comentarios, se echa en falta a Berlanga. El plano-secuencia de «La escopeta nacional» es de los mejores. Y también a Haneke. En «Código desconocido» hay un plano-secuencia bastante largo y muy bien interpretado por Juliette Binoche.
Luego Angelopoulos también tiene planos-secuencia excelentes, en «El apicultor», por ejemplo. Y de los más actuales, todo Béla Tarr, que es un encadenamiento continuo de planos-secuencia. De entre todos sus planos-secuencia, yo me quedo con el que abre «Las armonias de Werckmeister».
De todas formas, por pericia técnica, sentido y finalidad, para mí el mejor plano secuencia de siempre es el de Antonioni. Es un plano-secuencia a modo de digresión.
Aquí una lista, mucho más breve y menos completa, eso sí:
http://alpino-gliaccia.blogspot.com.es/2012/01/planos-secuencia.html
Y de entre Tarkovsky, quizá el final de «Sacrificio» sea uno de los mejores, con incendio incluido.
https://www.youtube.com/watch?v=Mr5cYiRPf3E
Parece ser que la primera toma salió mal, y se tuvo que volver a construir el decorado.
Y también Linklater. Ahora que ha salido «Antes del anochecer», solo hace falta revisar las otras dos películas anteriores para ver que se basan en un encadenamiento continuo de planos-secuencia. De acuerdo, no son planos muy complicados, pero en estos casos la grandeza consiste no en la pericia técnica, sino el mantenimiento de la tensión dramática y el interés tan solo con las interpretaciones y los diálogos.
Yo añadiría la película ‘Running Time’ de 1999 protagonizada por Bruce Campbell y que se rodó al estilo de ‘La soga’, simulando la acción en tiempo real.
Por otro lado Alex de la Iglesia montó una escena larga haciendo interactuar a todos los personajes de la peli (y disimulando bastante bien los cortes) en ‘Los crímenes de Oxford’.
¡Muy completo! Casi no se me ocurre ningún plano-secuencia que no haya sido mencionado ya en el artículo o en los comentarios. Veamos éste: Revolution, con Al Pacino recorriendo las calles de Nueva York llenas de personas festejando la victoria contra los británicos.
Echo de menos a Berlanga
Pues yo hecho de menos en la lista «Serenity», la pelicula que cierra la serie «Firefly». Tras un opening de infarto que mezcla flashbacks con un evento del pasado reciente y otro del presente en el opening, te plantan sus buenos 5 minutos de escena continua camara al hombro.
La escena no se hace especialmente pesada, y la usan para pasearse por casi todas las salas de la nave «protagonista», desde el puente de mando hasta la bodega de carga, pasando por pasillo de camarotes de tripulación, comedor, cocina, sala de maquinas, enfermeria… para presentarte a toda la tripulación, y que la gente que no haya visto la serie tenga un poco de referencia de quien es quien. Una de las escenas mas curiosas que he visto en mucho tiempo…
«Tanto Spielberg, tanto Scorsese, tanto De Palma y luego llega un argentino y deja a todo el público noqueado, enmudecido y con dificultades para sentarse a riesgo de absorber el taburete. Juan José Campanella volvió a casa con un Oscar en la mano, y SI BIEN LA PELÍCULA COJEABA FRENTE A SUS COMPETIDORAS DIRECTAS EN AQUELLA GALA, una cosa era innegable: la escena del estadio (tras la revelación de «la pasión» como gasolina de las personas y pese a que tiene mucha postproducción implicada) es uno de los planos más acojonantes que se han podido ver en una película.»
¿Y eso? ¿Se puede saber por qué El Secreto de sus ojos no estaba a la altura del resto de nominadas? No sólo por mejor película extranjera, sino como mejor película… en general. ¿Por qué no es una producción norteamericana? ¿Por qué no sale Ruseel Crowe o Anna Hathaway? ¿Por qué es una película argentina?
El secreto de sus ojos es la mejor y más completa película que se ha hecho en siglo XXI, simple y llanamente.
Calma, calma. Es una gran película, pero no la mejor del siglo. Te pasas por alto cosas de Lynch, Haneke y hasta No, con Gael García.
Si pones la espléndida «La Soga», pon también la divertida «La Tarea». Fue muy bien recibida en diversos festivales y certámenes en su día, cuando se empezaban a manejar ideas como «hagamos-una-pequeña-y-barata-película-de-calidad»…
Gran polvo, en esa hamaca…
http://www.imdb.com/title/tt0100746/?ref_=fn_tt_tt_1
Me falta la ultima escena de Four Rooms, la habitación dirigida por Tarantino…
Mi aportación: La escena del helicóptero de terminator salvation.
https://www.youtube.com/watch?v=Mbl8hjMhQng
No es un plano secuencia puro, tiene efectos de animación pero es uno de los mejores títulos de crédito iniciales de la historia del cine, la vida de una bala en «El señor de la guerra», http://www.youtube.com/watch?v=wS3E8I_vCkY
Que estupenda lista de películas! Muchas las he visto pero otras no habías oído hablar de ellas. Me las apunto!
Ayer mismo revisioné Magnolia y me pareció perfecta, el plano del niño y el padre llegando al programa de televisión es digno del mejor Altman!
Yo no quiero ser quisquilloso pero…
Es un artículo sobre tomas largas y planos secuencia…. Y ¿NO HAY NI UNA SOLA REFERENCIA A ANGELOPOULOS? ¿NOS HEMOS VUELTO LOCOS?
http://www.youtube.com/watch?v=FoPy6AAC16M
http://www.youtube.com/watch?v=kE5B7WSEOao
Estaba pensando lo mismo. También me faltan Chantal Akerman, Béla Tarr…
Frenesí de Hitchcok, con esa bajada de escaleras, recorrido de pasillo hasta llegar a la calle, todo marcha atras, alejandonos, mientras se produce un asesinato…que no vemos pero que, ni falta que hace…
Todas las historias de Nueve vidas son planos secuencia.
Yo agregaría a Gaspar Noé con Enter the void y la inolvidable escena de Irreversible. ¿Y qué me dicen de Warhol con Sleep? Muchas horas de sueño.
Y la Chaqueta metalica, cuando llegan a las ruinas con la francotiradora? Kubrik es Kubrik, dos veces Kubrik :-D
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Creo recordar una escena en ‘Siete novias para siete hermanos’, en la que se filma una cancion (con coreografia de hachas incluida) en una sola toma. Sublime.
Nos estamos olvidando del inicio de Gravity!
Echo en falta al Rey de España en estas lides. Berlanga I Austrohúngaro.
Muy buen artículo. Me quedo con La Soga. Muuuuuy grande.