42 videoclips que tendrías que haber visto en 2011 (y II)

(Viene de la primera parte)

El uno de agosto de 1981 a las doce y un minuto, un canal llamado MTV inauguraba su emisión con un videoclip con bastante sorna: se trataba ni más ni menos que de Video kills the radio star de The Buggles. La profética canción marcaba el advenimiento de una nueva era marcada por el aterrizaje de los músicos en el universo catódico. A partir de ese momento la música vendría ilustrada y sus creadores se quitarían el burka radiofónico.

Treinta años más tarde, la MTV se ha convertido en un canal para adolescentes que emite documentales sobre los hábitos de cópula de los canis italoamericanos y el videoclip en un arma mainstream de propaganda básica: coreografías mongólicas, espectacularidad impostada e ídolos de plástico. Pero aun así un nutrido grupo de bandas y realizadores se esfuerzan en demostrarnos que, más allá de la mera promoción, el matrimonio entre imagen y melodía es capaz de engendrar auténticas joyas.

Continuamos en este rincón el repaso a la lista de clips más selectos por ingeniosos, eficaces, cómicos o excelsos que nos proporcionó el recién abandonado año 2011.

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The Weeknd – The knowing
Dirección: Mikael Colombu

Siguiendo con revelaciones, no podemos olvidar a The Weeknd, el proyecto del jovencísimo Abel Tesfaye que consiguió que la critica especializada, los artistas más consagrados y el público más exigente de la música negra se rindieran a los pies de la vuelta de tuerca que su álbum debut ha dado al género R&B. Compartiendo con Adele una alergia a los videoclips, medio año después de haber lanzado su disco y que este obtuviera alabanzas a nivel internacional nos vino con un clip de casi 8 minutos para el tema que cierra el disco que, a mitad de camino entre la estética de anime nipón y de aventura gráfica futurista, nos cuenta el rapto de un hombre al que literalmente arrancan el corazón. Mezclándolo todo con la derrota del dictador etíope Haile Selassie, considerado un Mesías Negro tras la revuelta del 74 y la mitología que rodeaba el movimiento rastafari, historia con su propia conspiranoia al no haber quedado claras las circunstancias de la muerte de este. Y La Zona de Tarkovski, ese director que aparece en todas partes, con extraterrestre propio y todo.

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Emmy the Great – Paper Forest
Dirección: Lucy Needs

Ejemplo perfecto de cómo con un buen tema y una buena puesta en escena, sin necesidad de artificios, se puede fabricar una pequeña, dulce y austera gema. Emmy the Great entona su triste Paper forest mientras Lucy Needs nos cuenta una historia que parece abierta a la interpretación. En el fondo da igual si Emmy interpreta al pasado de esa mujer que parece bailar eternamente por tiempos pretéritos con mejor fortuna, o si en realidad es su conciencia, su amiga o su hija. Incluso da igual si uno quiere creer que todo ocurre al revés y la expresión ausente e impertérrita de la cantante es contrarrestada por una mujer que danza a su alrededor en forma de personificación metafórica.

El vídeo es cojonudo, y esa escena en la que la otrora hábil bailarina se desmaquilla tan poderosa que resulta extrañamente escalofriante.

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St. Vincent – Cruel
Dirección: Terri Timely

La formación de Annie Clark, que ya nos habían sorprendido con esa maravilla de videoclip que fue Actor out of work,  han vuelto este año con su nuevo LP y para su primer single han grabado esta canción en la que se compadecen, con cierta sorna, de alguien al que han abandonado de manera miserable. El videoclip, con estructura in media res, muestra a la solista, esa mujer que nunca parpadea, descendiendo a un pozo y a la vez nos cuentan su secuestro, su convivencia y su abandono debido a pequeños errores cotidianos y unas expectativas que no se cumplieron. Junto a un delirante riff de guitarra en el maletero de un coche que consigue dar un toque de humor a tan horrible falta de escrúpulos.

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Major Lazer – Original Don
Dirección: Kyle Frere

Nunca hemos tenido muy claro qué coño pensar de Major Lazer, al fin y al cabo además de portadas de discos que deberían ser consideradas crímenes contra la humanidad estos caballeros engendraban videoclips muy, pero que muy jodidos. Que su música estuviese a medio camino entre lo bizarro, lo curioso y lo ¿pero-que-cojones? tampoco ayudaba a despejar dudas. Y este vídeo de Original Don mucho menos.

Un patio de una casa cualquiera. Con su perrito, su abuela disecada en una silla, su boombox sonando y su chavalada haciendo coreografías absurdas con katanas y navajas de mariposa. Dos momentazos para el recuerdo: la tensión (digna del más milimetrado thriller) que genera el incierto paseo de la abuela y ese minuto 2:16 donde el perro casi se convierte en animal divisible en entregas.

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Woodkid – Iron
Dirección: Yoann Lemoine

Un vídeo rodado en b/n y en cámara lenta para mostrar sobre fondo gris a diferentes culturas antiguas intentando alcanzar las puertas del cielo sin éxito: bárbaros, la modelo Agyness Deyn y su lechuza como una suerte de Atenea moderna, Gengis Kan, vikingos… todos ellos pereciendo al tiempo que un predicador lee la Biblia y desata un bombardeo antes de que lleguen a cumplir su objetivo.

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Klaus & Kinski – El rey del mambo y la reina de saba
Dirección: Nacho Rodríguez, Gina Thorstensen y Emma Kidd

El rey del mambo y la reina de saba además de un título Almodovariano también se jactaba de tener un precioso vídeo de animación con raíz de verbenas rurales, exquisito diseño de surrealismo instrumentalizado, aires de Salvador Dalí de pueblo profundo, muñecos de trapo y acuarelas entintadas. Y un carácter muy en la onda del estilo que han cultivado Klaus & Kinski, ese mismo que consigue que contemplar como toca la guitarra un extraño personaje de piernas frondosas con las uñas de los pies pintadas nos parezca, contra todo pronóstico, algo enternecedor.

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Katy Perry – Last friday night
Dirección: Marc Klasfeld & Danny Lockwood

Si tuviéramos que dar un premio al peor videoclip del año pasado, Firework de Katy Perry se llevaría la palma. Aquel festival de la vergüenza ajena en el que en un balcón de Budapest mientras ella soltaba fuegos artificiales por las tetas un niño padecía leucemia explosiva, una mujer se ponía a parir una mascletá y una chica entrada en carnes provocaba un Big Bang al tirarse en bomba a la piscina. Nunca hubo tantos tópicos en tiempo tan reducido, y sobre todo, nunca fallaron de forma tan estrepitosa. Por no hablar de la absurda frase que abría el tema “¿Alguna vez te sentiste como una bolsa de plástico?” que ya está graffiteada con letras mayúsculas y faltas de ortografía en la historia del pop comercial.

Sin embargo, en un momento en que las popstars lanzan tres videoclips por mes, enlazan un lanzamiento de disco con otro y los fans sitúan cada video de su ídola a la altura de El gran masturbador de Salvador Dalí, apareció su quinto single para calmar un poco el agotamiento del público más consumidor, y definió por fin el estilo de esta mujer que aún no sabíamos dónde meter: toda una reivindicación del pop fácil sin pretensiones. Y no podemos estarle más agradecidos por tal respiro.

Siguiendo la estela de las comedias adolescentes de los 80, en la línea de Las chicas solo quieren divertirse, una fiesta repleta de colores y sobreactuaciones con la ayuda del minusválido de Glee, Debbie Gibson y Corey Feldman como los padres de la cantante, Kenny G y los hermanos Hanson repartiéndose la parte instrumental de la canción y, sobre todo, el acierto de incluir a la pequeña Rebecca Black. Los fenómenos youtube y las estrellas pop, mano a mano cantando juntos por el amor al viernes. El mundo es un lugar maravilloso.

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Fleet Foxes – The shrine/An argument
Dirección: Sean Peckinold

Un tema de ocho minutos transformado en una aventura crepuscular animada. Unas garras rasgan unas cuerdas. Un antílope recorre un mundo de sol palpitante entre extrañas texturas añejas. Unas insólitas criaturas realizan rituales cuando la noche muerde el bosque. Una tumba acuática despierta a un dragón bicéfalo cuyas cabezas se pelean por el bocado entre chillidos de clarinete enloquecido.

Sean Peckinold, hermano de Robin Pecknold, (el vocalista de Fleet Foxes) ya se había encargado con anterioridad de dirigir un videoclip para los chicos de Seattle (el estupendo White winter Hymnal). En este caso se atreve a recoger el tema más experimental de la formación y reinterpretarlo en forma de vigoroso cuento anaranjado. Un poderoso universo meciéndose al compás de la melodía.

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South Central – The day I die
Dirección: Steve Glashier

La salvajada del año viene por parte de este dúo electrónico con un vídeo en el que una única cámara, con visor de francotirador, va matando indiscriminadamente a todos los estudiantes del parking de un campus universitario. Este Columbine en clave techno cuenta, según palabras del propio director, un mensaje ya demasiado manido: la complicidad de los espectadores con la violencia, cosa que, por ejemplo, Henry, retrato de un asesino nos enseñó mejor en su día, hace ya 21 años. Sin embargo, y pese a los efectos chungos de la sangre, el mal cuerpo que deja la mira telescópica segundos antes de cada disparo permanece a lo largo de las revisiones de vídeo. Como curiosidad, los propios South Central salen en el vídeo, siendo ellos los dos únicos supervivientes de la masacre. Y como es costumbre en el género, salen con los rostros cubiertos.

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Beastie Boys – Make some noise
Dirección: MCA

Para conmemorar los 25 años desde el mítico (You gotta) Fight for your right (to party) los Beastie Boys rodaron un minifilm de treinta minutos, y de ese mismo extrajeron bocados para montar el clip de Make some noise, una peliculilla que es en realidad una secuela de ese vídeo del 86 objeto de la conmemoración. Comienza donde aquel lo dejaba, con los chicos saliendo de la fiesta y continuando su cabalgata alcohólica por las calles.

Si el Figh for your right era amateur, ochentero y cutrelux, esta celebración cumpleañera es la una de las más colosales y megalomaníacas fiestas de cameos (la mayoria de apenas medio segundo): Seth Rogen, Danny McBride y Elijah Wood interpretan a los propios Beastie Boys; y en su camino se cruzan Kirsten Dunst, John C. Reilly, Will Ferrell armado con la legendaria cowbell de SNL, Rashida Jones, Will Arnett, Mary Steenburgen, Ted Danson, Rainn Wilson, Jason Schwartzman como una especie de Van Gogh escupidor de té, Zach Galifianakis, Amy Poehler, Chloë Sevigny, Jack Black, Orlando Bloom haciendo de yonki limpia cristales, Maya Rudolph, David Cross o Steve Buscemi entre otros. La versión extendida (Fight for your rigth revisited) incluye incluso a más stars en plantilla.

Brillante ejercicio excesivo de ¿Donde está Wally? para el espectador. Y por si todo esto fuera poco rematan con un Delorean. Con viajeros temporales.

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Björk – Crystalline
Dirección: Michel Gondry

Uno de los regresos más sorprendentes del año fue el del tándem Björk – Michel Gondry. Justo cuando parecía que ambos descendían en caída libre desde principios del nuevo milenio, lejos de la producción y del mimo, tanto en el apartado musical como en el visual de Hyperballad o Bachelorette. Ni él lograba repetir en cine el éxito de crítica de ¡Olvídate de mí! ni ella volver a rozar la acogida que tuvo su disco Vespertine.

Sin embargo, ahora que Biophilia ha salido victorioso al balance de las reseñas, cabe recordar la presentación del álbum, en el que una Björk atrapada en un satélite descarga su música, en forma de rayos fluorescentes, a la superficie de un planeta que modela a su voluntad, con efectos rodados en stop-motion. Y como colofón una traca final epiléptica en la que Björk comienza a bailar dentro de la lluvia.

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World Order – Machine civilization
Dirección: Genki Sudo

Genki Sudo dejó las artes marciales y se encauzó en otros métodos de expresión más artísticos; una de las formaciones más locas de las que forma parte es el robótico grupo musical World Order. El concepto de este vídeo para el tema Machine civilization no es nuevo, Sudo y su ejército de maniquís autómatas ya habían paseado por otras calles con anterioridad, pero no deja de ser tremendamente perturbador ver a unos hombres adultos trajeados circular por el paisaje urbano trotando a cámara lenta o efectuar coreografías bastante espectaculares a estilo robot. Mimos modernos mecánicos que provocan fascinación en el espectador y no instintos asesinos como era la norma.

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Superchunk – Crossed wires
Dirección: Whitey McConnaughy

Imagínese el lector que tiene un gato cariñoso y entrañable. Imagínese que un buen día por curiosidad decide atarle una cámara digital al cuello para ver por dónde pulula el animal cuando sale fuera de casa, y que al volver el gatito al hogar y comprobar lo que hay grabado en la memoria del aparato descubre que lo rodado es ni más ni menos que una versión felina del Smack my bitch up de Prodigy, aquel polémico clip filmado en primera persona en el que un protagonista se iba de farra, regaba con vómitos discotecas, se liaba a hostias, robaba un coche y se lo pasaba teta.

Deje de imaginárselo, el descharrante vídeo de Superchunk rodado por Whitey McConnaughy es exactamente eso.

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Justice – Civilization
Dirección: Edouard Salier

Es difícil hacer música electrónica en Francia y escapar a las comparaciones con Daft Punk. Y más difícil es aún cuando ya con dos discos en el mercado parece que sólo serás recordado por tu primer hit. Para su segundo álbum el dúo utilizó como primer single este Civilization que, tras protagonizar una millonaria campaña de Adidas, no alcanzó las calificaciones deseadas. El irregular ritmo, la excesiva distorsión en las partes lentas y la mala conexión de estas con el estribillo hacen imposible de considerar este tema un rompepistas. Sin embargo, sí que han sabido adaptar un gran videoclip a la inconexa melodía de la canción.

Una semiesfera en la que un nimio accidente causa una ruptura del equilibrio y la destrucción de los restos de nuestra civilización por simple acción de la gravedad, dando paso a la llegada de la civilización siguiente. Todo ello, con unos pobres bisontes como testigos del desastre que, ajenos a ello, corren asustados a donde bien pueden.

Rodado con unas impresionantes técnicas de animación, destacan por encima de todo los efectos de sonido añadidos: el ruido de las avalanchas al comenzar el estribillo, el galope de los animales y caída dela bóveda celestial que sujeta la estatua de Atlas, añadiendo un efecto de vacío al trepidante conjunto.

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The Shoes – Wastin’ time
Dirección: Yoan Lemoine

Melancolía visual luminiscente. Un chico presumiblemente aquejado de una tristeza apática encuentra refugio y alivio persiguiendo al astro rey y toda partícula de luz en general. Arropadas por el suntuoso tema Wastin’ time del dúo francés The Shoes, las imágenes que ha fabricado Yoan Lemoine tienen también una narrativa de alma lumínica: aparecen tímidamente, se despliegan con calma, alcanzan su cénit en una escena inesperada y brillante (literalmente) y finalmente se apagan poco a poco mientras nuestro protagonista se lleva las manos a la cabeza.

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Fucked Up – Queen of Hearts
Dirección: Scott Cudmore

Uno de los personajes musicales más odiados del año —que desde aquí me permito reivindicar públicamente— es Damian Abraham, vocalista de Fucked Up. Coincidiendo con el lanzamiento de su tercer disco David comes to life, rápidamente apareció en el radar de las principales publicaciones musicales debido, sobre todo, al tinglado que monta en sus directos. El hombre, bien entrado en carnes, no duda en desnudarse, lanzarse al público, pegarse con sus fans y detractores, desgañitarse, revolcarse en barro, golpearse la cabeza hasta sangrar, simular prácticas sadomasoquistas y, como quien no quiere la cosa, sacar a sus hijos a saludar al público. De hecho, en muchos links de youtube relacionados gran cantidad de comentarios lo nombran como “el gilipollas ese que me jodió el concierto de los Foo Fighters”.

Además del escándalo que monta en directo, sí que ha tratado de presentar un álbum conceptual bien avenido, tratándose de una ópera rock que narra la historia de David, un obrero de fábrica que se enamora de una desconocida. Ese es el pie de la historia que queda contado en el corte Queen of Hearts, para el que ha rodado este vídeo que es una sucesión de bromas y desconciertos con un resultado impecable.

Lo que empieza con una profesora mirando a lo lejos un incendio, en una clase que parece de otra época y en la que intenta distraer a los alumnos hablándoles de la esperanza, continúa con la puesta en marcha de un radiocassette, de niños cantando hard rock a grito pelado, vueltas y más vueltas de cámara, la maestra intentando marcar el ritmo y las niñas impasibles y adorables. Como colofón, una salida del desconcertante marco al entrar en escena el equipo de rodaje. Todo con las voces de los niños, sin playback y sin escucharse en ningún momento la versión del álbum.

Y Abraham, tan ancho.

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Broken Social Scene – Sweetest kill
Dirección: Claire Edmondson

Todo iba bien.
Todo era muy tierno y bonito.
Hasta que ella sacó el hacha.

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M83 – Midnight city
Dirección: Fleur & Manu

Y otra entrada más venida de Francia. El dúo M83 ha sido una de las bandas en recibir mejores críticas este año por su vuelta al redil electrónico tras su aventura pseudo-shoegaze con aquellas  fotos promocionales plagadas de filtros vintage, delicia de hipsters.

Midnight city, una de la canciones del año, abriendo el álbum –Hurry up, We’re Dreaming– cuenta con este video en el que un chaval es recién llegado a un internado de niños con poderes y gracias a él, de manera muy similar a una escena de Akira, logran huir de la cárcel en la que les someten a controles para llegar a una fábrica abandonada en la que juegan libremente.

Ligeros toques de efectos especiales para rematar con un desenlace con moraleja en el que se nos explica que, para desatar el potencial interno, mejor liberar a las criaturas y no perturbar su inocencia. Sea como fuere, en los últimos quince años una puesta de sol a golpe de saxo no había resultado efectiva hasta ahora.

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Foo Fighters – Walk
Dirección: Sam Jones

Dave Grohl y compañía utilizan como excusa el tema Walk para remakear Un día de furia, aquella película de Joel Schumacher en la que a Michael Douglas se le cruzaban un par de cables y entraba en modo berserker al ver el Mcmenú del día. En este caso la cosa no es seria, y la coña tiene bastante gracia cuando las primeras escenas con Grohl atrapado en un atasco nos muestran cómo se incrementa el desasosiego del cantante no sólo por la inmovilidad del momento, sino sobre todo por las estúpidas pegatinas de los coches de alrededor que citan a Justin Bieber, George Bush y a Coldplay (impagable). El vídeo incluía un número de teléfono en uno de los planos al que los fans podían llamar para comentar qué es lo que les ha resultado más cachondo. Y un gag final que condensa la apología por el humor del absurdo, porque estamos empezando a olvidar que los clips pueden también dedicarse a la comedia y dejar aparcado el espíritu hipster tan de moda de vez en cuando.

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Lykke Li – Sadness is a blessing
Dirección: Tarik Saleh

El vídeo de la sueca Lykke Li se remitía a los emails acompañado de una imagen promocional en la que una servilleta escrita explicaba la situación.

En pantalla un restaurante mortalmente silencioso, con extraños comensales donde padre (Stellan Skarsgård) e hija (la propia Lykk Li) se sientan enfrentados cara a cara en la misma mesa. Un prólogo de copas cargadas es todo lo que necesitara la chica para ponerse a bailar en el centro de la habitación mientras los responsables intentan en vano pararle los pies y las dolorosas letras de Sadness is a blessing enfundan toda esta función grácilmente rodada por Tarik Saleh en tiempos lentos y con muchísimo buen pulso. Poderosa elegancia desatada.

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The Sound of Arrows – Wonders
Dirección: Mattias Johansson & The Sound of Arrows

Todos, absolutamente todos los videos de estos herederos de Pet Shop Boys son maravillosos. No en vano, el dúo sueco siempre da fe de su mimo por la estética en clips con unas imágenes con colores vivos, cuidadas al mínimo detalle, casi palpables.

Tras tres largos años desde su disco debut (aquel electrizante Danger! que consiguió que su popularidad ascendiera como la espuma en myspace, que en 2008 era el escaparate mundial de la música independiente) por fin se materializó el dichoso nuevo álbum bajo el nombre de Voyage. Y como cuarto single, pasando más desapercibido que los tres anteriores, llegó Wonders. Su, a la vez, mejor y más sencillo vídeo hasta la fecha. Y no sólo el suyo, sino también probablemente de los más sencillos de esta lista.

Sólo les hizo falta coger al tísico cantante, una cama y una máquina de niebla. Lo demás se hizo en postproducción al recopilar una infinidad de esas imágenes que hemos visto en los documentales de ciencias que nos pasaban en el instituto. ¡Pero qué imágenes! Es sorprendente lo que en una canción todo este vídeo evoca: los paisajes de Canadá, las playas de Australia, el Himalaya, el Sáhara, la Guerra Fría, la carrera espacial, la explotación de recursos, las catástrofes naturales y todo el cosmos en su enorme esplendor.

Acompañando a un tema que cuenta cómo una desgraciada alma en pena recuerda los buenos momentos que pasó con su ex-pareja, viene a resumirnos, con ese juego de luces en la última parte de la canción, que el peso del universo siempre termina aplastando los dramas personales. Resumiendo toda la descarga emocional del conjunto en ese plano certero, precioso, simple y magistral, del cierre de la cadena al cuello, a corta distancia de la cámara. Algo que Terrence Malick intentó contarnos este año con El Árbol de la Vida y aquí lo hacen en poco más de cuatro minutos.