Visto desde Europa —donde incluso quienes no son aficionados al género identifican la música rock con unos orígenes entroncados en la llamada “música negra”— puede parecer extraño, pero lo cierto es que cuando uno contempla el panorama musical norteamericano no puede evitar hacerse una pregunta: ¿por qué apenas hay músicos negros de rock? Que sean exitosos, al menos.
Si respondemos la pregunta basándonos en el aquí y el ahora, salta a la vista que hay un problema social detrás de todo ello: los afroamericanos, que sufrieron marginación durante décadas, adoptaron ciertos estilos musicales como señas de identidad —el blues, el soul, el gospel— porque eran estilos supuestamente “no contaminados” por la influencia blanca, al contrario que el rock & roll. Pero esto es una verdad a medias que, como suele decirse, es la peor de las mentiras. Tal vez la mayor parte del público negro norteamericano haya identificado esos estilos como los “auténticamente negros”, pero los músicos de rock afromericanos, que los hay y siempre los ha habido, aunque el éxito les haya sido casi siempre negado, son los primeros en lamentarse por esa actitud.
La incomprensión mutua entre blancos y negros ha sido un problema capital en la sociedad norteamericana, pero rara vez —por no decir nunca— ha afectado a los propios músicos. Es la industria musical, no los artistas, la que ha canalizado los prejuicios. Pero quizá lo mejor para entender cómo se han desarrollado dichos prejuicios es ir directamente hasta el principio.
Los años cincuenta: cuando la música tuvo los colores cambiados
“El rock & roll es blues acelerado” (Little Richard)
“Esto que ahora llaman rock & roll es rhythm & blues y llevo tocándolo quince años en Nueva Orleans” (Fats Domino)
Lo dijeron dos de los pioneros negros de la explosión del rock & roll y evidentemente hay que hacerles caso. Aunque a nivel nacional el rock fue popularizado sobre todo por blancos como Elvis Presley, Carl Perkins o Bill Halley, quienes mostraban influencias del country blanco en sus respectivos estilos, había pocas dudas de que —en esencia— estaban tocando una música basada principalmente en la tradición negra. De hecho, los sectores más racistas buscaron rápidamente un calificativo burlón para aquella nueva música, incluso aunque fuese interpretada por blancos: “Negro Music” (la palabra “Negro”, en castellano, era usada de manera despectiva y dio origen al aún más despectivo término “nigger”). Y efectivamente se trataba de música negra: algunos oyentes afroamericanos creyeron que Elvis era negro la primera vez que lo escucharon por la radio. Buddy Holly llegó a actuar varias veces en el teatro Apolo —hasta entonces ningún blanco había sido invitado— donde el público negro, tras bastantes reticencias, terminó olvidando su color y aceptando su música. Otros rockeros blancos como Jerry Lee Lewis, Eddie Cochran o Gene Vincent habían crecido combinando las influencias musicales típicamente blancas de su entorno con el amor por el blues negro. Su música era apreciada y aceptada por los propios músicos negros.
El que todos estos blancos convirtiesen la música rock en algo tan popular quizá desvirtuó, a la larga, la idea de que el rock era básica y esencialmente música negra. Little Richard o Fats Domino son tanto pioneros del rock como músicos de rhythm & blues con un bagaje bastante tradicional, pero ni siquiera eso ayudó a reivindicar la “negritud” del rock. Tampoco ayudó el que otro rockero negro, Chuck Berry, incluyese algunas influencias del country blanco en su música —en los años cincuenta muchos espectadores negros se sintieron perplejos por ello— aunque su mayor influencia eran los bluesmen de Chicago como Muddy Waters.
Ya desde un comienzo, el público negro mostró la tendencia a rechazar la explosión rock por considerarla una versión emblanquecida de su blues tradicional. Pero al igual que los prejuicios que tenían los blancos de entonces hacia el rock & roll, también los prejuicios del público negro estaban sustentados en la ignorancia musical. El blues y el country habían estado influyéndose mutuamente desde décadas atrás; por mucho que la sociedad se empeñase en trazar una línea divisoria entre la música blanca y la negra, los propios artistas la traspasaban continuamente y existen multitud de ejemplos. Los músicos, en el 99% de los casos, sólo se fijaban en la música y les daba igual qué color tenía el artista original de quien tomaban prestado determinado acorde o cierta forma de hacer arreglos.
En los años cincuenta resultaba ya difícil encontrar una forma musical puramente “blanca” o puramente “negra” entre los estilos populares cultivados por la gente. La edición de discos, especialmente, había ayudado a traspasar las fronteras y raro era el músico que estaba influido únicamente por músicos de su propia raza, directa o indirectamente.
Pero el público, incapaz de captar las más sutiles de estas influencias, seguía creyendo en barreras divisorias, aplicando a la música los mismos esquemas que se daban en su sociedad. Esto no mejoró con la llegada de los años sesenta.
Los sesenta: la década de los derechos civiles
El movimiento de lucha por los derechos de los afroamericanos coincidió en el tiempo con la debacle del rock en América: Elvis Presley se convirtió en un edulcorado producto de Hollywood, Buddy Holly y Eddie Cochran murieron en accidente, Jerry Lee Lewis cayó en desgracia a causa del escándalo provocado por su matrimonio con una prima de trece años, Little Richard se pudo a grabar gospel debido a una crisis espiritual —atormentado por el conflicto entre su religión y su homosexualidad— y en general el rock & roll pasó completamente de moda en América. La media década de mestizaje musical había terminado. La música volvió a dividirse entre lo que escuchaban los negros —que ahora era un nuevo estilo, el “soul”— y lo que escuchaban los blancos, un pop melódico ya sin raíces en el rock.
Pero el rock iba a retornar de la forma más inesperada. El que una nueva explosión de la música rock estuviese provocada por cuatro británicos blancos que para colmo añadían exóticas influencias europeas a sus canciones, era algo que ningún norteamericano podía haber imaginado. El repentino éxito de los Beatles terminó de poner a la música rock el marchamo de “música blanca” ante los ojos del público negro. Los prejuicios puristas eran algo que incluso los propios ingleses habían asimilado: Rolling Stones, en sus inicios, se jactaban de hacer exclusivamente música negra (esto es, rhytm & blues) y aunque parezca mentira, Mick Jagger llegó a afirmar que ellos no eran una banda de rock, sino de blues. Jagger, en un inicio, no quería que se los identificase con aquel “impuro” rock & roll que tan alegremente defendían los Beatles.
La audiencia afroamericana terminó de consolidar sus prejuicios: el rock & roll era el juguete de los chicos blancos que quieren sonar como los chicos negros. Un negro “de verdad” escuchaba blues y soul, no el descafeinado rock & roll. Poco importaba que los músicos de su propia raza admitiesen con los brazos abiertos estas nuevas corrientes musicales. Por ejemplo, cuando los Beatles escribieron la canción Lady Madonna inspirándose en la música de Fats Domino, este les devolvió el guiño haciendo su propia grabación de la canción. Al escucharla y comprobar lo bien que Domino se la lleva a su terreno (su versión es francamente superior a la original) tenemos un perfecto ejemplo de cómo un músico de base tan tradicional cono Fats se sentía cómodo con una música que, de todos modos, llevaba su propio ADN inscrito en ella, aunque no la hubiese compuesto él. Para entonces, parte del público blanco estaba superando barreras, probablemente porque culturalmente no necesitaban posicionarse a la defensiva. Pero el público negro —aún fuertemente condicionado por su situación social— así como los sectores más retrógrados de la población blanca seguían negándose a aceptar que no hay música de colores, sino música y punto.
Entre otras cosas, porque las propias compañías discográficas, especialmente las regentadas por negros o dirigidas al público negro, cortaban las alas a cualquier músico que quisiera ponerle un barniz blanquecino a su música. Los jugueteos de Ray Charles con el country provocaron un pequeño revuelo, pero sólo él, que era prácticamente el padre de la nueva música soul, podía permitirse una “excentricidad” semejante. Otro pudo haber sido James Brown, pero este no tenía el más mínimo interés en “blanquear” su estilo y de hecho se volvió más impermeable a la influencia blanca con los años, cuando el mensaje político se filtró en sus canciones e intentó hacer su música lo más “negra” posible. Por el contrario, tras el surgimiento de Elvis Presley cualquier artista blanco seguía teniendo carta blanca para introducir elementos negros en su música, excepto quizá los del mundillo country.
La estela de Jimi Hendrix
El guitarrista zurdo natural de Seattle fue el único músico negro de rock que ha conseguido situarse como la estrella más popular y mejor pagada del negocio sin necesidad de hacer pop, soul u otros derivados. Hendrix, como es bien sabido, revolucionó el sonido de la música rock al romper toda clase de limitaciones con el instrumento más característico del estilo, la guitarra eléctrica. Sólo ese hecho hubiese debido derribar también las barreras a nivel puramente discográfico para otros artistas negros, pero no fue así.
A Hendrix se le puede considerar una rareza en toda esta dicotomía racial y musical. Su influencia básica era el blues negro, pero también se declaraba seguidor de muchos músicos blancos, desde los Beatles a Bob Dylan. Incluso se conserva algún dibujo de su época escolar en el que retrataba a Elvis Presley junto a los nombres de varias de sus canciones. Hendrix no entendía de razas y fue un pionero de lo que hoy llamaríamos “música de fusión”, pero no es menos cierto que hubo de abandonar Estados Unidos para triunfar. Hendrix sólo empezó a ser reconocido en Inglaterra, con un grupo formado por ingleses blancos. En el mundillo musical del Reino Unido a nadie le importaba demasiado el cómo y dónde ubicar en la escala racial a un músico tan peculiar. Cuando las superestrellas inglesas le reintrodujeron en Norteamérica, Hendrix pudo triunfar finalmente en su propio país, pero sólo porque gozaba de la tumultuosa admiración de todas las estrellas británicas. Aunque finalmente su faceta blues le hacía aceptable ante los negros y su faceta rockera y psicodélica conquistó a la generación hippie… pero había necesitado que los británicos le sirviesen de trampolín. Otro tanto ocurrió con Taj Majal, que alcanzó más notoriedad gracias a sus más famosos fans, que por el propio interés de la industria.
Hendrix se convirtió en una influencia musical casi tan poderosa como los propios Beatles, pero su enorme éxito no hizo caer las barreras raciales. Cuando murió en 1970, tras sólo cuatro años de estrellato, la situación de la industria discográfica no había cambiado. El propio Hendrix se había sentido preocupado por los asuntos raciales y el papel que su música jugaba en ello, lo cual le había supuesto un considerable cruce de cables. Pero Hendrix merece un artículo para él solo, así que dejaremos para un futuro todos estos detalles de su biografía. Tras la desaparición de Hendrix, los músicos negros de rock también desaparecieron de la parte alta de las listas de éxitos, que eran frecuentemente visitadas por músicos negros de otros estilos. Él fue una excepción que a día de hoy no ha vuelto a repetirse.
Los años setenta
Cuando se piensa en artistas negros de los años setenta, invariablemente nos vienen a la mente músicos de soul, funk, jazz y similares. No hubo grandes estrellas del rock negras en aquella década, aunque sí hubo estrellas que hicieron música rock entre otras cosas. Como Ike & Tina Turner, que interpretaron célebres versiones de éxitos rockeros (la más célebre su versión de Proud Mary, original de Creedence Clearwater Revival) pero que, dado que tenían un pie y medio en el soul, no eran considerados estrictamente “músicos de rock”, lo cual les hacía comercialmente viables.
Algunas estrellas negras del momento, de hecho, no alcanzaron el éxito hasta que en su música no primó el “elemento negro”. Un buen ejemplo es George Clinton: si bien es lógico que los dos primeros álbumes de su banda Funkadelic fuesen minoritarios debido a lo estrambótico de su rock experimental al estilo Mothers of Invention, el debut de su otro grupo, Parliament, publicado en 1970, estaba repleto de rock al estilo Hendrix que probablemente hubiese triunfado de haber sido interpretado por una banda de músicos blancos. Las dos bandas de George Clinton sólo conocieron el éxito masivo cuando dieron un giro hacia el funk y el soul. Aunque incluso tras ese giro siguió habiendo muchos elementos de rock en su música, el poderlos categorizar como “bandas de funk” sirvió para abrirles el camino… y eso que su público era mayoritariamente blanco. Aun así, el primer guitarrista de George Clinton, Eddie Hazel, nunca se convirtió en una estrella pese a su enorme talento como guitarrista y al potencial que demostró en su único disco en solitario (sirva como ejemplo su fabulosa versión del California Dreamin’) mientras muchos guitarristas blancos gozaban de su condición de “guitar-heroes” en aquellos mismos años.
¿Casualidad? Probablemente no. Otros grupos como Mother’s Finest —técnicamente una banda interracial, ya que el guitarrista y el batería eran blancos— no dieron ese giro definitivo hacia el funk y el soul, que formaban parte de su música pero estaban subordinados a un sonido fundamentalmente rockero. Nunca alcanzaron el éxito masivo, aunque méritos no les faltaban y su sonido se ajustaba como un guante a lo que se estilaba por entonces. Era un grupo tan poderoso como las mejores bandas blancas del momento, y de hecho alguna de esas grandes bandas blancas intentó servirles de trampolín eligiéndoles como teloneros en alguna gira… pero Mother’s Finest nunca pasaron de un moderado éxito, algo que les impide ser recordados hoy como uno de los grandes nombres de la década. Lo tenían todo para triunfar: canciones, directo, imagen… todo excepto el color de piel adecuado.
Ellos mismos ironizaban sobre lo complicado de su estatus en el mundillo musical, y grabaron la canción Niggiz can’t sang rock’n’roll (“Los negratas no pueden cantar rock’n’roll”) que no sonaba en absoluto diferente a lo que podían hacer algunos de los grupos de rock más exitosos de lo ssetenta. De hecho, de haber tenido otro título y haber sido grabada por un grupo blanco, hoy la recordaríamos como lo que merece ser: un clásico de la década. Pero el controvertido título (“Niggiz” era el equivalente del término insultante “niggers”) les valió las protestas de algunos sectores, incluyendo alguna prominente figura política negra —¡como si ellos mismos no fuese negros!— y tuvieron que retirar el tema de su repertorio. No sólo eran demasiado rockeros para ser aceptados por el público negro, sino que tenían demasiado sentido de la ironía para ser entendidos por su propia raza y la industria discográfica en general. Y cometían el peor de los pecados: no eran lo bastante negros, ni lo bastante blancos.
También compuestos por miembros interraciales aunque con un sonido menos accesible, Defunkt es el proyecto personal del carismático trombonista Joe Bowie. Nacieron haciendo una imposible mezcla de estilos, desde el punk al jazz. Su atrevimiento, su música totalmente contracorriente (surgieron a final de los setenta con una base de puro funk, justo cuando el funk acababa de pasar de moda) y las letras combativas y comprometidas de Bowie siempre les han dado una personalidad particular. Han grabado varios grandes discos, y su momento pudo haber llegado en los noventa con la grabación del magnífico Crisis, que tenía un sonido bastante rockero, muy acorde a la época, pero como suele suceder en estos casos nadie les hizo caso. Defunkt han sobrevivido tocando en los círculos jazzísticos, donde su habilidad musical es enormemente apreciada (la extraordinaria bajista del grupo, Kim Clarke, se ha edificado toda una leyenda como instrumentista), aunque Joe Bowie siempre fue un personaje cuya personalidad hubiese pegado mucho más en la escena rock. El que Defunkt no hayan sido mucho más famosos es otro de los muchos inquietantes “misterios” que nos dan que pensar sobre el título de este artículo.
El punk negro
El caso de Mother’s Finest es relevante por la calidad de su música y porque aunque no conocieron el éxito llegaron a bordearlo, pero no fueron ni mucho menos la única banda negra de rock de los setenta. Tan sólo fue una de las pocas que lograron pasar del primer disco y ser conocidos más allá de su local de ensayo.
Por ejemplo, hace unos años la gente redescubrió a Death, un “power-trio” de los setenta que sólo llegó a grabar un single durante aquellos tiempos. Eran tres negros de Detroit, la ciudad de Motown, pero lejos de hacer soul estaban influidos por las bandas guitarreras de la parte blanca de la ciudad, especialmente MC5. La influencia de MC5 hizo que Death sonasen a punk antes de que el punk fuese oficialmente “inventado” y eso les ha convertido en objeto de culto: tres negros de una metrópolis industrial americana adelantándose en varios años a los jóvenes británicos sin que a nadie en la industria o la prensa musical le importase lo más mínimo. Obviamente, aquel sonido a mediados de los setenta tenía el potencial de resultar revolucionario, e incluso alguna de sus canciones tenía espíritu punk ya en el título, por no hablar de la estructura de la canción en sí y la actitud vocal tan burlona del cantante. Pero lógicamente, conociendo la trayectoria de la industria, nadie les hizo el más mínimo caso. Sólo a raíz de su redescubrimiento se editó un disco con antiguas grabaciones que no habían salido a la luz.
El punk, de hecho, era un estilo que podría haber arrasado entre la juventud negra. Era una música agresiva con la que liberar frustraciones, nacida entre gente que sentía marginada o desorientada, y destinada al mismo tipo de gente, con una actitud combativa y un mensaje nihilista (el famoso “no future” de los Sex Pistols) que hubiese calado muy hondo en los barrios negros de Norteamérica. Y estuvo a punto de hacerlo: surgieron bandas como Pure Hell, con un sonido 100% punk (y títulos igualmente punk: “I feel bad”). Pure Hell también fueron menospreciados por la industria, y grabaron un LP que tuvo que esperar ¡treinta años! para ser finalmente publicado, mientras que en aquel mismo 1978 decenas de bandas blancas que sonaban exactamente igual editaban singles y álbumes continuamente.
Pero la aparición del hip-hop ocupó el lugar que estuvo a punto de ocupar el punk entre la juventud negra norteamericana: esta vez sí, al tratarse de un estilo “puramente negro”, la industria la vio con buenos ojos, el público negro lo aceptó como “auténtico” y sus estrellas llegaron a tener un gran éxito. Las bandas negras de punk se vieron condenadas al ostracismo, incluso un grupo tan importante como Bad Brains, pioneros del “hardcore” (mezcla de punk y heavy metal) y sin duda la banda negra de punk más importante, cuya repercusión e influencia a nivel underground fue enorme no sólo en Norteamérica sino en Europa. En España, por ejemplo, tuvieron cierto renombre en los ochenta y se solía poner sus discos en muchos garitos de rock y punk. La primera vez que los escuché, siendo aún un escolar, estaban sonando en una tienda de discos y tuve que preguntar qué era aquello porque estaba alucinado ante lo que salía de los altavoces (ni se me ocurrió que podían ser negros). Bad Brains tuvieron un papel clave en el desarrollo de un sonido que bastantes años después arrasaría en las listas de éxito, pero su repercusión comercial estuvo muy por debajo de su influencia puramente musical. Hoy en día, multitud de grupos que han triunfado en Estados Unidos le deben muchísimo a su sonido. Pero los años ochenta eran el momento de que los negros escuchasen hip-hop y los blancos ya tenían sus propias bandas a las que seguir, así que Bad Brains se crearon una leyenda en los círculos punk y metálicos, pero jamás gozaron de la repercusión comercial de grupos blancos de su tiempo que hacían una música similar. Un ejemplo más a añadir a la lista.
El breve momento de gloria del “rock de fusión”
Con todo, los ochenta fueron una década en que las barreras raciales en la industria musical norteamericana parecieron estar —por un momento— a punto de resquebrajarse, pero el nuevo muro establecido por el hip-hop demostró ser demasiado resistente.
En aquella década saltaron al estrellato estrellas negras del pop o de la “música de fusión” que de algún modo u otro reconocían abiertamente su deuda con la música rock. Michael Jackson nunca grabó música rock, pero su afición por el estilo era bien conocida, muy especialmente su fijación por los guitarristas eléctricos: invitó a Eddie Van Halen para que tocase en el single Beat it, del álbum Thriller. Años más tarde haría otro tanto con Slash, guitarrista de los Guns N’ Roses. Más evidentes eran las influencias rockeras en Prince, a quien podíamos ver a menudo con una guitarra eléctrica en las manos —era de hecho su instrumento de elección— y que sí grabó varias canciones que pueden considerarse rock en toda regla, entre ellas su megaéxito Purple rain. Pese a sus influencias rock, tanto Prince trinfó porque seguía respondiendo básicamente al estereotipo de músico de soul-funk de fusión, en la onda Sly Stone.
Más difícil lo tuvo Terence Trent D’Arby: poca gente se acuerda de él hoy en día (hasta que se le nombra) pero obtuvo un éxito mundial resonante con su primer y extraordinario disco Introducing the hardline according to Terence Trent D’Arby, una colección de canciones en la onda soul-funk-pop de Prince que le convirtieron en el sucesor natural de las grandes estrellas negras del negocio. Sin embargo todo se le vino abajo cuando cometió el pecado capital de querer grabar discos de rock. Ya en su segundo trabajo cambió la orientación de su música, diciendo en las entrevistas que se sentía tan influido por Hendrix, Led Zeppelin y los Rolling Stones como por James Brown, y empezó a grabar fantásticas canciones en consonancia. El público y la prensa simple y llanamente le dieron la espalda; no se aceptó su propósito de dejar de lado el soul-pop que le había hecho triunfar y la crítica fue —injustificadamente— bastante dura con él. Se le destronó con saña y el mismo ímpetu con el que se había encumbrado no mucho tiempo atrás. Hoy, tras mudarse a Italia, sigue grabando y actuando con el nombre de Sananda Maitreya, y ha aceptado la idea de que seguirá siendo un artista minoritario pese a que ocupó el trono del pop por un día.
Terence Trent D’Arby lo intentó y no se le permitió, pero a veces se producen modas inesperadas. El auge del “rock de fusión” que mezclaba abiertamente rock “blanco” con funk “negro” y que propició el éxito de Red Hot Chili Peppers, Primus, Jane’s Addiction, Faith No More y compañía (de un día para otro pasaron de ser ignorados a convertirse en grandes estrellas) llevó a las portadas de la prensa musical el mestizaje, como nueva prueba de que a los músicos poco les importaban las etiquetas. Incluso propició el éxito —temporal, pero resonante— de una banda de rock negra: Living Colour. Si bien para que se les hiciera caso necesitaron del apadrinamiento de Mick Jagger, quien les produjo su primera maqueta y que usó el peso de su propio nombre para ayudarles a salir a la luz. El poderoso single Cult of personality les convirtió en estrellas durante un tiempo y aun tuvieron tiempo de grabar otros éxitos (por ejemplo la excepcional Love rears its ugly head) antes de pasar de moda. El de Living Colour fue un caso bastante raro de éxito en una banda de rock negro, aunque después su renombre decayó misteriosamente en comparación con las bandas blancas de su generación y terminaron separándose (en años recientes se han vuelto a reunir).
El éxito de Living Colour sirvió para hacer público un asunto del que tratamos en este artículo pero del que prácticamente nunca se hablaba, aunque resultaba flagrante. El espectacular guitarrista del grupo, Vernon Reid, aprovechó su repentina fama para quejarse del ostracismo al que se veían sometidos los músicos negros de rock, tanto del pasado, como gente que él conocía. Culpaba a la política de la industria discográfica pero también a los prejuicios del público. Incluso creó la “Black Rock Coalition”, una especie de asociación de músicos negros destinada a reivindicar el papel que los negros habían hecho y podían hacer en el rock. Vernon Reid no entendía por qué existía el concepto de que los blancos escuchan rock y los negros escuchan hip hop y r&b. Él, como sus compañeros de grupo y otros muchos músicos negros, era un músico de rock y se quejaba amargamente de los prejuicios e ignorancia de mucha gente.
Su empeño sirvió de poco. Los grupos de rock negro que no gozaban de un mecenas tan poderoso como Mick Jagger, se veían condenados a, como mucho, la suerte de los Mother’s Finest de este mundo, esto es: a dar que hablar durante un tiempo pero sin alcanzar el éxito masivo. El ejemplo más sangrante fue el de Fishbone, una especie de versión guitarrera y alocada de Defuknt, que grabaron uno de los mejores discos de “rock de fusión” (y uno de los mejores discos de rock de los años noventa), The reality of my sorroundings. Demostraban una singular maestría para mezclar todos los estilos imaginables: rock, pop, funk, heavy metal, jazz, psicodelia, punk, ska, reggae… todo en un mismo disco y sin que sonase a pastiche. Incluso tuvieron alguna canción que sonaba como un éxito aunque nunca llegase a serlo. Sus directos eran espectaculares y la prensa de la época comentaba cómo solían merendarse a algunos de sus amigos y rivales, como los Red Hot Chili Peppers (que también atravesaban un gran momento en directo). Pero ni la calidad de su música ni el respeto de sus colegas de profesión sirvieron para romper la barrera invisible —o por apropiarnos de un término feminista, el “techo de cristal”— que afecta a los músicos negros de rock. Hoy Fishbone sobreviven tocando en festivales ska y similares, pero los tiempos de su atrevida mezcla de estilos quedan atrás. Se quejan aún más amargamente que Living Colour, y con la misma razón, de los prejuicios imperantes.
Si Fishbone no lo consiguieron, muchas menos esperanzas tenían bandas como 24-7 Spyz, cuyo potencial comercial era, de entrada, bastante menor (al menos en sus primeros discos, cuando tenían un sonido más primitivo). El guitarrista y líder de 24-7 Spyz adoptó el nombre de Jimi Hazel como homenaje a sus dos mayores ídolos, Jimi Hendrix y Eddie Hazel. La moda del rock de fusión pasó sin que el grupo consiguiera captar mucha atención, aunque su nombre se dejó oír, a nivel minoritario, incluso en Europa. Ya sin el cantante original y previendo que el éxito les iba a esquivar por siempre, Jimi Hazel continuó con la banda por pura vocación, sabiendo que su oportunidad se había desvanecido. Aunque su música, que Hazel denomina “heavy metal soul”, fue mejorando con los años y han grabado algunos temas con auténtico gancho (¿o esta maravillosa canción no hubiese sido un éxito si la hubiesen grabado No Doubt?), jamás han captado la atención del público y nunca han salido del underground. Pero claro, el orondo Jimi Hazel no se parece a Gwen Stefani precisamente y para colmo es negro y hace música rock en un país en el que a los negros sólo les importa el hip-hop, y donde la industria discográfica ignora a cualquiera que lleve una guitarra colgando y sea del color de piel equivocado. Si Hazel fuese un blanco guaperas con caída de ojos a lo John Mayer, estaría tocando en estadios… pero no lo es. 24-7 Spyz han seguido actuando en clubs norteamericanos, sabiendo que no saldrán de allí, lo cual almenos les permite hacer lo que les da la gana en cualquier estilo, improvisando a lo loco y demostrando que, en cuanto a poderío, no tienen nada que envidiarle a nadie. No hay muchas bandas de rock con ese nivel ahí fuera, pero desgraciadamente nunca llegarán a ninguna parte. La industria está demasiado ocupada vendiendo a Lady Gaga.
Rappers y rock
Hablando de fusión, desde los círculos del hip-hop, los músicos (que no el público) le han echado tradicionalmente una mano al rock. Ya en los ochenta, el exitoso combo de rap Run DMC ayudó a unos Aerosmith en horas bajas a volver a captar la atención del público, gracias a la versión conjunta de Walk this way y su divertido videoclip, que arrasó en la MTV. Aunque aquello sirvió más para aligerar los prejuicios del público blanco que de la audiencia negra y de la industria. Ni siquiera el que la banda de rap reivindicativa por excelencia, Public Enemy, regrabase una de sus canciones junto a un grupo de heavy metal como Anthrax sirvió para cambiar la actitud de la gente. Uno de los guitarristas de Anthrax, Scott Ian, había sido fan de Public Enemy y había lucido camisetas de Public Enemy durante años, para perplejidad de su público metalero. Los legendarios raperos se lo reconocieron grabando una de sus canciones a medias con Anthrax, la arrolladora Bring the noise. Pese a que Scott Ian nunca ejercía como cantante, hasta le dejaron rapear un fragmento, cosa que no hizo nada mal. La mezcolanza entre ambos grupos pilló a contrapié tanto al mundillo metálico como al del hip-hop, pero puso de manifiesto por enésima vez que los músicos no entienden de barreras, aunque el resto del mundo se empeñe en que sí las hay. De hecho, esa mezcla de rap y metal terminó convirtiéndose años después en el ingrediente básico de varios grupos —blancos, eso sí— que arrasaron en las listas norteamericanas.
También Ice-T, el “padre del rap gangster”, sorprendió a su público y a la prensa musical con una decisión bastante arriesgada, juntándose con unos amigos negros y formando una banda de hardcore y metal, Body Count, que dio bastante que hablar con su primer disco.
Una vez más, uno de los grandes nombres del rap ponía de manifiesto que las barreras raciales y estilísticas que tanto preocupaban a su público no condicionaban a los propios artistas, o al menos a aquellos que eran sinceros con sus propios gustos. Aunque el inesperado movimiento de Ice-T escandalizó tanto a parte de su público negro como al sector más discutible de metaleros norteamericanos (especialmente los neonazis que admiran a una de las bandas de metal que Ice-T reivindicó públicamente, Slayer), al propio rapper le importó bien poco lo que pensara la gente y criticó abiertamente la cerrazón de buena parte del público y la manía de la prensa y la industria por colocarle etiquetas a todo.
¿Y ahora?
Resulta evidente que el rock está atravesando su peor momento comercial desde que nació en los años cincuenta, e incluso una época que en su momento se consideró comercialmente floja para el estilo —los ochenta—parece un Jardín del Edén rockero cuando se contempla desde hoy. Así que la idea de que surjan nuevas estrellas negras del rock es más irrealista que nunca. La división racial en la música sólo ha desaparecido de un lado. Un artista blanco puede triunfar haciendo cualquier tipo de música, pero un artista negro no.
Quizá la única o al menos la mejor forma de darse a conocer es ganándose el respeto de la crítica y fabricándose un renombre en la prensa musical que termine trasluciéndose en la atención del público. Algo así es lo que ha hecho por ejemplo Ben Harper, quien pasó años sin conseguir apenas atención del público, pero ganándose a la crítica. Finalmente su fantástico trabajo ha logrado colarse entre parte del público, que es más de lo que parecía que iba a conseguir cuando grababa discos acústicos, totalmente a contracorriente, hace algunos años.
Pero si la peor faceta de la música es el modo en que es etiquetada y comercializada de manera maniquea, lo mejor es la facilidad con la que llega a la sensibilidad de determinadas personas saltándose todas las barreras imaginables. Cualquiera puede echar un vistazo en Youtube y comprobar cómo hay jóvenes norteamericanos —que casualmente son de raza negra— y que se quejan de la incomprensión que sufren, incluso de sus propios amigos, cuando resulta que la música que más disfrutan es el rock. Alguno de esos jóvenes, además, tocan sus respectivos instrumentos… lo más probable es que nunca salgan del anonimato, pero uno nunca sabe dónde surgirá el próximo Hendrix, si es que algún día ha de aparecer tal cosa. Para un seguidor europeo de la música rock todo este asunto es de un absurdo surrealista, y sin embargo ese es el modo en que funciona la industria musical norteamericana. Lo peor es pensar en los grupos cuya música podríamos estar disfrutando y que no han llegado a darse a conocer. La idea de que el músico afroamericano está predispuesto al jazz, el blues, el soul o el funk siempre ha sido una media verdad, que es la peor de las mentiras. Los negros no pueden cantar rock & roll. Así son las cosas.
¿En qué estilo colocaría a Lenny Kravitz?
En Mierda Rock
Fétido revival hendrixiano.
Touché. Más que fétido diría incompetente, pero el chaval le pone ganas, sobre todo en cuanto a estética se refiere.
Si te comparan con alguien as……., hay pocos interpretes/compositores que sobrevivan.
Lenny, fue un tio apañado en sus inicios, con un toque funky y psicodelico muy agradable de oir, luego ya, fue avanzando hacia el pop.
Tampoco creo que merezca el apelativo de fetido, igual que por mucho que se hayan convertido en pop red-hot o tantos otros, no deben ser menospreciados, porque en su día ofrecieron algo fresco.
Te has olvidado de Lenny Kravitz. Inexcusable si estas hablando de exitos y color de piel.
Entiendo que se obvia a Phil Lynott o a Lenny Kravitz (como comentan más arriba) para justificar el artículo y el título. Imperdonable también haber olvidado a Screamin’ Jay Hawkins.
Ni siquiera mencionarlos deja en muy mal lugar al autor.
arrebatos:
—Phil Lynott era irlandés y Thin Lizzy cimentaron su éxito en las islas británicas, así que no tienen mucho que ver con el tema del artículo, que se centra en la industria y sociedad norteamericanas. Pero no los he olvidado: Thin Lizzy es una de mis bandas favoritas, sólo que no pintaban nada aquí.
—Screamin’ Jay Hawkins surgió en la década de los cincuenta, cuando aún no existía el problema del que habla el artículo. No iba a nombrar a todos los artistas negros de R&B de los 50, ese tampoco era el tema del artículo.
—En lo de Lenny Kravitz no te falta razón, Probablemente debiera haberle mencionado, pero la verdad es que no le tengo muy en cuenta desde hace mucho. Aunque me gustan algunas canciones (colgué alguna en algún artículo) siempre me ha parecido muy impostado, no sé si considerar ya que pertenece a la escena rock o más bien a otro tipo de escena donde podrías meter a John Mayer. Pero sí, eso es problema mío.
Un saludo.
Lenny kravitz!!! Maldita sea!!!
Excelente, gracias por el esfuerzo, lo he disfrutado.
Por cierto estoy hasta la polla de titulares como el de este articulo. sensacionalismo barato, cutre y maloliente. el articulo te lo has currao mas o menos pero el titular es bochornoso
«Mamollo trompeta»,
Piensa que por actitudes como la tuya, Mother’s Finest tuvieron que retirar la canción de su repertorio, lo cual es una lástima. Porque además del titular es el nombre de una canción que habla exactamente sobre este mismo tema, lo dice en el mismo artículo.
Un saludo.
+1 a lo de Lenny
Imperdonable «Emilio de Gorgot»
Olvidas al actual vocalista de Sepultura, Derrick Green, la de Skunk Anansie, Skin y al de la banda de thrash metal de los 80 Hirax, Katon W. De Pena.
Pet:
—Skunk Anansie son británicos.
—Sepultura, además de no ser un grupo norteamericano, ya tenían un estatus mundialmente establecido cuando Derrick Green se unió a ellos. De todos modos, no son una banda de «rock negro» americano ni se han enfrentado a los problemas concretos de que habla el artículo.
—Hirax es un caso similar, no sé si calificarlos como «rock negro», son más una banda mayoritariamente blanca cuyo cantante es negro. En Mother’s Finest, por ejemplo, cuatro miembros eran negros frente a dos blancos, lo que hacía que se les percibiese como una «banda de rock negro». Lo cual era sin duda inapropiado, pero son las etiquetas con las que funciona la industria americana y de eso mismo se quejaban ellos en su canción.
Un saludo.
Y qué pasa con DANKO JONES? Punk Rock y sonido en un anuncio, me parece que del ford focus.
Así a bote pronto me vienen a la cabeza: Dirtbombs, Bellrays o Danko Jones. Grandes bandas, sobre todo las dos primeras, y que han alcanzado cierto éxito (dentro del pequeño mercado que es hoy en día el rock)
Arthur Lee de LOVE
Gorka, Ander, Pepitiu:
—No sé si considerar a Danko Jones una banda de «rock negro», en todo caso la industria no la percibe como tal… y además son de Canadá.
—Casos como los de Dirtbombs, Love o Bellrays son bastante limítrofes, ¿se los puede englobar dentro de la etiqueta de «rock negro» sólo porque hay alguien de raza negra en sus filas? ¿Eran los Guns N’ Roses percibidos como «rock negro» porque estaba Slash? ¿Son Kyuss, Metallica o Grateful Dead percibidos como «rock hispano»?
Un saludo.
¿Slash es negro?
TV on the Radio?
Gran artículo, muy instructivo. Creo que también sería oportuno mencionar a Arthur Lee y su grupo Love, representativos del rock psicodélico. Un saludo.
Jorgenius,
Love merecen la mención por la calidad de su música, desde luego, pero el caso de Love me parece algo limítrofe como comentaba más arriba.
Un saludo.
Gran artículo, enhorabuena.
Al fin un post con información relevante y currada. Enhorabuena.
PD: Pasa de críticas, son todos unos amargados
Mat:
Gracias. Lo de las críticas lo llevo bien, uno se acostumbra rápido y es hasta divertido, creo que responder no está de más. Aunque no siempre lrespondo, sólo cuando tengo tiempo. Lo único que me inquieta es que a estas alturas todavía haya tanto fan furibundo de Lenny Kravitz (después de leer esta respuesta estarán todavía más furibundos, supongo).
Un saludo.
Buen artículo, muy bueno, aunque te olvidaste de dios y de la p… en verso. Gracias por olvidarte de Lenny Kravitz.
Cojonudo trabajo.
Grandes figuras, por ejemplo Muddy Waters, siempre agradecieron a los Rolling Stones que lo negro adquiera relevancia, estatus y respeto en todo el mundo.
Sin los Rolling Stones…todo hubiera sido distinto. Ni mejor ni peor.
pacopaco,
Aunque no tiene que ver con el tema del artículo, creo que sin los Rolling Stones todo hubiera sido probablemente peor.
Es cierto lo que dices, gran comentario: hicieron mucho por promocinar el blues, ya que por ejemplo los Beatles estaban mucho más centrados en el rock & roll.
Un saludo.
LENNY KRAVITZ ES UN PASTELAZO UNIVERSAL… A CUALQUIER COSA LLAMAIS ROCK… ROCK ES LED ZEPPELIN, THIN LIZZY, THE DOORS, ETC ETC ETC, PERO NO LENNY KRAVITZ POR HACER 2 CANCIONES CON UNA GUITARRA INTENTANDO SER JIMMI HENDRIX…
Un artículo con nivel alto, si señor ! Bien documentado y con fundamento que diria Arguiñano ;-)
Screming Jay sí fue un fenómeno para blancos.
Sus actuaciones mezclaban rocanrol con vodevil. Sonadas actuaciones en su momento que obligaban a los promotores de sus shows a apostar seguridad a la salida del teatro para que la gente no se diera a la fuga. Así de terroríficas eran sus actuaciones. Eso parece.
Yo he echado en falta una referencia fundamental en el comienzo del artículo, el orígen del nombre «rock&roll». Era argot negro para referirse al sexo. El nombre se cogió de un programa de radio de «rythm&blues» de los 50 que con dicho nombre pinchaba a los pioneros de este estilo. Vamos que el nombre lo dieron ellos también.
Y que hablamos de Terence Trent D’arby y de su disco «Introducing to the hardline»… cuando le vi en directo en la Zeleste de Barcelona, hace un montón de tiempo, cerró los bises con dos temas de los Stones: «Satisfaction» y otra canción que no recuerdo. Pero era un clásico de sus conciertos. Seguramente si hay vídeos o actuaciones enlatadas de algún concierto, ahí aparecerán.
Saludos
Mos Def demostró esa vertiente separatista de «los blancos nos han robado» en el tema Rock n’ roll: http://www.youtube.com/watch?v=b8epyQ5MnFY
Tiene o no razón?
Demon Fuzz!!
Un articulo muy interesante y completo, pero me ha sonado extraña la cita «El Rock&Roll es un blues acelerado» de Little richard, creo haberla oido en «Cadillac Records» por Muddy Waters, ¿Es esto correcto o estoy en un error?
Un saludo y buen trabajo!
¿Donde está The Originator? Claro que no pueden salir todos pero la ausencia de Bo Diddley es una gran tara para un artículo de este tipo.
Justo estaba pensando lo mismo.
Y Suicidal Tendencies?? Si hay una banda que ha tenido éxito mezclando Rock, Funk, Hardcore, Heavy Metal, Punk, Thrash, Con una estética más propia de las «bandas negras» y diversidad racial en todas sus etapas… Son ellos!
Buen artículo, pero hablar de 24/7 Spyz (que me molan; pero no dejan de ser ST + Living Colour) y no mencionar a Suicidal…
Hostias y Doug Pinnick de King’s X… Imprescindible banda con innegable influencia de la música negra.
Y Crown Of Thorns… Hay más de lo que parece al final!
A mi quien me falta es Robert Randolph, un tipo negro que toca el pedal steel merece reconocimiento.
Los negros no pueden cantar rock ‘n roll? Y esto
http://www.youtube.com/watch?v=7xxgRUyzgs0
que es? El título del articulo es como decir «white men can’t jump,» que los blancos no pueden saltar. Solo hay que ver a Gasol. El título del artículo es desafortunado, un estereotipo más.
Patricia
La idea de hacer crítica de titulares me parece bastante más desafortunada.
Hay gente que no puede procesar una ironía…
Otro nombre que falta es del William Duvall, el cantante de los renacidos Alice in Chains.
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Enhorabuena por el artículo.
Y de moraleja:
Funkadelic – Who Says A Funk Band Can’t Play Rock?
http://youtu.be/NNiIfepF4mo
combinacion de rap y rock n roll, pocas cosas pueden ser mas miticas que esta http://www.youtube.com/watch?v=VP5f6yFtsgU
de los miticos EPMD
Hay algo de impositivo, de agresivo en el Rock que lo aceptamos o nos gusta si lo practicamos nosotros (los blancos) pero que nos asusta si lo practican ellos (los negros). También hay que tener en cuenta la historia de Estados Unidos. Y la situación social de los negros. Hay motivos sociológicos e históricos para que el Rock sea la música de los blancos y el Blues o el Soul, la de los negros. Del mismo modo que el flamenco es propio de determinadas partes de Andalucía (lo que no impide que haya buenos flamencos catalanes) o la Salsa de los hispanos (aunque una de las mejores orquestas de Salsa sea la japonesa Orquesta de la Luz). En fin, no soy nada purista y me gusta la fusión, pero hay que reconocer que cada estilo musical surge y se desarrolla en un determinado grupo social y momento histórico.
Ya se que no tiene nada que ver con el artículo, pero de verdad me dices que la mejor orquesta de salsa es «La Orquesta de la Luz» ¿Alguna vez escuchaste a «La Fania All Star»? por favor antes de aporrear el teclado con palabras sin sentido pensemos un poco y sobre todo investiguemos
Lo que ha escrito Rafa es «una de las mejores» y tiene razón.
Lee con calma antes de sacar el bazooka.
Pero es que los orígenes del Rock es casi completamente afroamericano. Lee cuales ritmos lo originó… Así que más bien todo lo contrario, digamos que en Europa sólo se hizo muy famoso un genero negro.
¿Lenny Kravitz? ¿En serio? Para mi siempre estuvo mas cerca de ser un Robbie Williams negro y con guitarra que un músico de rock autentico. Celebro que no lo hayan mencionado. Gran articulo.
Gran artículo, muchas gracias. La pasión que se encuentra en los comentarios de los artículos musicales de Jot Down para defender los gustos musicales de cada uno sólo es comparable a el radicalismo de los comentarios de eldiario.es xD
Lenny Kravitz tendría que haber sido mencionado en el artículo.
Sé que el artista que voy a nombrar quizás no pueda considerarse una figura «principal» o cuya influencia sea tan importante como la de Jimi Hendrix. Pero al hablar de rock y cuestiones raciales creo que hay que mencionar, aunque sea de refilón, a Clarence «Big Man» Clemmons, saxofonista de la E Street Band ¿Por qué digo esto? Pues porque está clarísimo que Bruce Springsteen y la E Street Band hacen rock, ROCK con mayúsculas. En segundo lugar por hacerse un hueco en la historia de la música rock con el saxofón, un instrumento de viento, cuando aquí predomina la guitarra primero y bajos, batería y teclados después. Y en tercer lugar porque era un músico negro en una banda de blancos con un montón de influencias que tenía un papel predominante en los shows y en las canciones. Tanto Bruce como su gran amigo eran conscientes de lo curioso que en la época resultaba este tándem que durante una época ambos se daban un beso en el escenario.
Pues haciendo referencia al artículo y a Clemmons, recuerdo un artículo de una revista donde se mencionaba que la audiencia de los conciertos del Boss era blanca al 100%, o sea que el artículo no va desencaminado.
Me falta en la lista William DuVall, el sustituto del fallecido Layne Staley en Alice in Chains, y anteriormente cantante de Comes with the Fall.
Pingback: Eddie Hazel – Game, Dames & Guitar Thangs (1977) | La guitarra de Hazel
La gente se aburre mucho, tiene mala baba y además crítica el titular sin leer el artículo. Muy típico por cierto de la cultura del tweet y el postureo. Me ha gustado el artículo completo e interesante. Hago mi aportación citando al cantante de sevendust un grupo quizá menor de la era del «nuevo metal» de los 90
Enhorabuena por el artículo.
Aunque he echado en falta una pequeña mención a Ben Harper o a Gary Clark jr. (a pesar de que ambos juguetean en mayor o menor medida con country/rock y el blues respectivamente).
Ah, y gracias por olvidar a la mala copia de Hendrix-Prince que es Lenny Kravitz.
Muy interesante tu artículo bro, sólo que pienso que omitiste a un grandísimo personaje de la historia de la Música, y que precisamente es negro: Phil Parris Lynott. sin su influencia muchas de la bandas que mencionaste no hubieran existido.
Al contrario que tu piensas; el rock and roll fue lo que unió a las dos étnias, razas, especies o como coño quieras llamarlo. Hay conciertos grabados, muchos testimonios de la época, documentales, películas etc… que muestran lo que pasaba en las calles y la forma de pensar de la nueva juventud… fueron los jóvenes fueron los que cambiaron el odio entre razas que habían creado sus ancestros (sobretodo los confederados, racistas mayoritarios) y muchos de sus padres. Entre otras cosas porque de críos habían jugado entre sí y no entendían el por qué de no poderse hablar, o porque sus padres habían luchado juntos en la segunda guerra mundial… etc etc Es un hecho histórico. Evidentemente no se cambió de golpe esta situación y no a todos les gustaba tanto mezclarse…
Claro, este es tu artículo y es tu opinión o tu visión de los inicios del rock and roll… Ah,… los Bad Brains tenían unas 10 canciones de reggae, de hecho eran Rastafaris
Que pesaditos con la palabrita : «afroamericano» son AMERICANOS a secas, punto.
Mi padre siempre me dice que toda esa musica, como el rock & roll, viene de la musica NEGRA americana!!!!! De la musica popular americana, también » fork», de los años 60, como Bob Dylan… Los amigos musicos también decian lo mismo. En casa siepre escucho Jazz de los años 30. Hicimos un recorrido por Harlem y alli, escuchamos ciertos ritos de Bleu, Rock, etc jamas escuchado. Si ahora se descubre que los negros no pueden triunfar en su propia musica es porque ese negocio, es racista; sobre todo el negocio americano.
Un podcast en parte inspirado por este artículo. Queda dicho aquí, y se dice también dentro. Muchas gracias.
https://www.podomatic.com/podcasts/especialdemedianoche/episodes/2017-11-21T13_49_55-08_00
Por qué siempre se fijan en lo que se omite? Lo que dice el artículo es buenísimo y menciona muchos ejemplos para confirmar o sostener la sustancia de lo que se está diciendo. No es necesario mencionar a TODOS para remarcar un punto. Me pareció excelente el artículo y tomé buena nota de las bandas que no conocía para echarle oído.
Disfrute mucho este articulo.Buenisimo!!!
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Muy disfrutón el articulo, como todos los de Emilio. Aparte de los clásicos ya comentados, se podría incluir los 2-3 años de Hendrix revival de buena calidad que nos dio Gary Clark Jr. Lo petó bastante, llego a telonear a los Stones y a tocar con Clapton e incluso en la casa blanca para Obama!
Lo vi en directo en Bilbao y la verdad que fue bastante épico (recuerdo volar con el cover de Third Stone from the Sun). Empezaron a flojearle los directos y la inspiración pero… no fue otra victima de tocar el género que no correspondía a su color de piel?
No me lo vas a creer pero willow la está rompiendo y es afroamericana. Busca «transparent soul» esperemos siga haciendo Rock porque al menos en esta canción vale toda la pena del mundo escucharla
My
¡Qué tontería con lo negro y lo blanco! Somos iguales, Chuck Berry he visto que llevaba músicos blancos y el público también blanco, cosa que seguro le molestaba al público negro. Pero a lo mejor lo hizo para ir a todos los públicos. En Norteamérica sigue habiendo mucho racismo, hay que educar en la igualdad.
Y otra cosa, la música y músicos negros de Norteamérica son cojonudos y ha influido en toda la música de Occidente.