Tradicionalmente aquello que se consideraba sagrado a menudo se ha expresado de forma artística y, en un camino de doble dirección, lo que se etiquetaba como arte gozaba de un aura de sacralidad. Pero entonces llegó el arte moderno y con él una legión de autores afanados en romper el hechizo, en torpedear las pretensiones de una audiencia culta o que aspiraba a serlo, aquella que se planta frente a una obra mesándose la perilla y poniendo gesto de apretar fuerte, como si quisieran probar los límites de su comprensión, paciencia, buen gusto e incluso su sentido del ridículo. Artistas-trol, en definitiva. Así que a continuación les mostramos algunas de las creaciones —ya sea en forma de pintura, escultura o performance— más bizarras jamás realizadas y en el sentido original del término en castellano, pues hace falta valor para presentarlas y decir orgullosamente «he aquí mi obra», cuando procede más un «¡Ahí queda eso!». Elijan su favorita.
(La caja de voto se encuentra al final del artículo)
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La Fuente, de Marcel Duchamp
A punto de cumplirse un siglo de su exhibición en el Grand Central Palace de Nueva York, esta obra vanguardista del artista francés Marcel Duchamp bajo el seudónimo de R. Mutt no podía faltar. Este urinario expuesto como si de una creación de algún valor estético se tratase marcó un hito al redefinir la naturaleza del arte, que pasaba a ser cualquier cosa que un artista señalara como tal. Duchamp era un hombre dotado de un gran sentido del humor y como provocación estuvo bien, dado que nadie hasta entonces se había atrevido a hacer algo así. El problema es que sus sucesores se lo tomaron en serio y lo repitieron, la pedorreta que interrumpe el acto solemne pasó a convertirse en el acto principal y la espantajeria y mamarrachez comenzaron a asomarse por lontananza.
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Cut Piece, de Yoko Ono
La culpa de todo no es de Duchamp, Yoko Ono también ha tenido su responsabilidad. Esta artista conceptual ya indisolublemente unida a los Beatles comenzó su carrera en los años sesenta con el grupo dadaísta Fluxus, que quería liberar al mundo de la influencia de la cultura europea y promover el anti-arte. En 1964 nuestra protagonista ideó esta performance que recreó en Tokio, Londres y Nueva York y que representa, dicen, «un símbolo de la vulnerabilidad y pasividad mientras la potencial violencia racista y sexista de un deseo destructivo va incrementándose paulatinamente». Suena interesante, pero le falta un embudo en la cabeza como símbolo de la alienación del hombre moderno, especialmente de los comerciales a puerta fría, y un ficus a su lado para representar que todos somos Uno con el cosmos. Su desarrollo creativo posterior ha ido precisamente en esta línea y aquí podemos oírla invocando a Cthulhu.
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Seedbed, de Vito Acconci
En 1972 la galería Sonnabend de Nueva York fue el escenario elegido para una performance ya legendaria. Bajo una rampa por la que caminaban los visitantes, Vito Acconci se dedicó a masturbarse durante ocho horas diarias mientras gritaba a los que pasaban «¡Estás empujando tu coño contra mi boca!» y «¡Estás embistiendo con tu polla en mi culo!», entre otras frases aparentemente vulgares pero no olvidemos que están proferidas por un artista contemporáneo, luego contienen más significado que los escritos de Confucio. En otras performances seguía durante horas a alguien al azar que caminase por la calle o, como en esta, se grababa hablando con la boca abierta. Una obra vibrante, toda una sinfonía de emociones y tormento existencial que hubiera sido sublime si además estuviese comiendo y soltara perdigonazos. Sí, lo que hacía aquel pariente suyo era arte, ahora ya lo sabe.
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Calcetín, de Antoni Tàpies
De este artista del informalismo que alcanzó renombre internacional es difícil escoger solo una. Tenemos sobre estas líneas Calcetín, una creación envuelta en polémica, de tamaño tan colosal que estaba previsto que los visitantes pudieran pasear por su interior y que tardó dieciocho años en materializarse, finalmente a una escala mucho menor. «Con él quiero representar la importancia del orden cósmico de las cosas pequeñas», afirmaba campanudo. Pero no es menos reseñable por ejemplo Pila de platos (y que pueden ver en este artículo que le dedicamos), que es eso, una pila de platos. Obra maestra evocadora y llena de matices, no es por enmendar la plana al genio barcelonés, pero si tuviera al lado una sartén con aceite de fritanga —y quizá, por qué no, con una patata frita en medio flotando, como metáfora de la soledad del ser humano en el universo— sería ya inmensa, a la altura de la Capilla Sixtina.
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Coronación de Sesostris, de Cy Twombly
Máximo exponente del expresionismo abstracto y miembro de la colección permanente del MoMA de Nueva York, tal como un ilustre crítico expresó sobre su obra: «El arte no recae en la finura de cada marca individual, sino en la orquestación de una serie de reglas personales no decodificadas sobre dónde actuar y dónde no, qué tan lejos se debe ir y cuándo se debe parar, de tal manera que el cortejo acumulativo de caos aparente define un original híbrido de orden, el cual a cambio ilumina un complejo sentido de experiencia humana que no esta dicho». Estamos de acuerdo, lo único que en esta pintura en concreto le sobra el palito suelto de la izquierda, que recarga de forma un tanto innecesaria el conjunto. También añadiríamos el dibujo de un enano de jardín, evocando así el contraste entre la civilización y la barbarie. El enano representaría la barbarie.
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David: imagen reverencial y vulnerable, de Sam Taylor-Wood
David Beckham durmiendo una siesta de una hora en un hotel de Madrid puede ser arte si un artista dice que lo es, lo graba en vídeo y lo se exhibe en la National Portrait Gallery de Londres. Su autora, la fotógrafa británica Sam Taylor-Wood, siente que el arte fluye de manera incesante a través de ella, sencillamente no puede parar de crear, y su carrera en el ámbito audiovisual se ha visto culminada recientemente con la dirección de Cincuenta sombras de Grey.
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Orvillecóptero, de Bart Jansen
Este artista conceptual holandés no encontró mejor homenaje a su gato Orville, después de que muriera atropellado, que ponerle unas hélices y convertirlo en un dron. El invento tuvo éxito mediático y al parecer alguien ofreció nada menos que cien mil euros por la obra durante su subasta, de manera que el día que se le muera la abuela nos tememos lo peor.
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Shoot, de Chris Burden
El F Space de Santa Ana en California fue en 1971 el escenario de una pionera representación en la que disparaban a Chris Burden en el brazo con un rifle. Mientras que en otra de sus performances, Trans-Fixed, se hizo crucificar sobre el techo de un escarabajo Volkswagen. Al final uno no sabe dónde termina el arte moderno y dónde comienza Jackass, pero en cualquier caso y afortunadamente para su integridad física terminó volcándose en creaciones menos lesivas en torno a la elaboración de vehículos no tripulados.
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Primera comunión de jovencitas anémicas en la nieve, de Alphonse Allais
Si en su cuadro Cosecha de tomates por cardenales apopléticos a orillas del mar Rojo mostró al mundo todo lo que podía dar de sí el color rojo, en este otro elevó su pericia técnica con los pinceles hasta rozar la perfección. Pero no se crean que fue el único ni mucho menos. Desde entonces otros pintores como Brice Marden, Yves Klein o Robert Ryman han creído que un cuadro monocromático era una buena idea, mostrando así una originalidad a la altura de su talento.
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El enigma de Isidore Ducasse, de Man Ray
Una obra que es toda ella pura expectativa —quién sabe si lo de debajo puede dejar a Bernini en un torpe aprendiz— en la que su autor, el dadaísta y surrealista Man Ray, resultó influido por su amigo el anteriormente mencionado Duchamp. Fue pareja por cierto de Lee Miller, fotógrafa de guerra de quien ya hablamos en otra ocasión.
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Mierda de artista, de Piero Manzoni
Como estamos viendo arte es lo que un artista señala como tal, cual mago que hechiza un objeto hasta entonces perfectamente vulgar atribuyéndole así unas cualidades mágicas intangibles. Solo falta definir entonces en qué consiste ser «artista», aunque sospechamos que la respuesta será «aquel que crea obras de arte» y ya tenemos una perfecta definición circular. Piero Manzoni se tomó el asunto muy en serio e hinchaba globos a los que pasaba a denominar Aliento de artista, ponía sus huellas dactilares en huevos duros convirtiéndolos así en arte y finalmente en en 1961, durante un arrebato en el que las musas quisieron que sacara lo mejor de sí mismo, rellenó varias latas con títulos en varios idiomas que anunciaban su contenido y que hoy se conservan en museos como el MoMA o el Tate Modern.
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Tirar la bolsa de basura de Nueva creación de la presentación pública de un arte autodestructivo, de una empleada de limpieza del Tate
La noticia lo dice todo. Arte más allá del arte, quizá tras esta intervención de la empleada de limpieza, trol de troles, la obra hubiera resultado realmente acabada. Pero Gustav Metzger, autor de la instalación, decidió dar un paso atrás y recolocar otra bolsa de basura, pues la anterior, según declaró, había quedado «arruinada».
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Presos políticos en la España contemporánea, de Santiago Sierra
Retirada de ARCO a petición del comité ejecutivo del recinto ferial Ifema, es la obra más comentada desde ayer por la mañana en las redes junto con Fariña de Nacho Carretero. Se trata de la obra Presos políticos en la España contemporánea, de Santiago Sierra, compuesta por veinticuatro retratos pixelados de entre otros: Oriol Junqueras, presidente de ERC; Jordi Cuixart de Òmniun Cultural y Jordi Sànchez, presidente de la Asamblea Nacional Catalana, los tres en prisión preventiva acusados de rebelión y sedición como consecuencia de su participación en el procés.
Vengo buscando el Ecce Homo veo que no está y me voy sin votar
El Ecce Homo de Borja, pintado por Cecilia Gimenez Zueco. Más que nada por el ruido que levantó todo el asunto (y que aún levanta)
Prácticamente toda la obra de Jeef Koons
Ah, se me olvidaba. La bestia y el soberano, de Inés Doujak. Demuestra que meterse con la monarquía, puede resultar fructífero
Falta: Monjas al Ajillo, de Julian Schnabell
Para mí muchos textos de «curators» y críticos de arte son grandiosos troleos al mundo del arte. Tanto que los colecciono. Ejemplos: contextoysignificado.tumblr.com #artbollocks
Todas las obras expuestas están a la altura del «bizarro» de la entradilla.
Como diría aquél, un poquito de por favor: http://lema.rae.es/drae/?val=bizarro
También falta la montaña de escombro en la bienal de Venecia 2013 por la ¿artista? zaragonana Lara Almarcegui y que nos costó un dineral de nuestros impuestos.
Eso más que un troll ha sido una estafa made in Spain.
Creo que no puede faltar John Cage… como amante de la música, he echado en falta su obra 4’33 (entre otras). Muy al estilo Allais….
En este vídeo interpretada por el maestro William Marx.
https://www.youtube.com/watch?v=JTEFKFiXSx4
Desde luego, no tiene desperdicio…
Emocionado espero otro artículo del autor donde explique qué es arte.
Decir que el urinario de Duchamp está «expuesto como si de una creación de algún valor estético se tratase» es no tener ni idea de lo que supone su obra. Precisamente desplaza el centro de la obra de lo visual a lo conceptual, lo estético pasa a un segundo plano. Su obra va de la mano de Saussure, la pragmática, la semiótica… Toda la crisis epistemológica y hermenéutica posterior está ya en Duchamp. Las preguntas sobre la legitimación del arte, sobre la autonomía de las obras, sobre la autoría y la autoridad, etc.
Dejad de escribir tonterías por favor. La «mamarrachez» es la del autor de este artículo que ni siquiera se documenta. Casi todo lo que se expone aquí es arte conceptual. Puede ser más o menos acertado, pero aproximarte a él a través de los presupuestos estéticos tradicionales es una estupidez y es lo que hace este artículo.
Todo lo expuesto aquí es un gran mojón,y te lo digo de forma conceptual y desde el punto de vista de la hermeneútica epistemológica.
No es de Duchamp, él ni tuvo la idea, ni lo envió a la exposición. Pero eso a los teóricos del espiritismo os dará igual
El arte conceptual sí que es una mamarrachez.
En mi humilde opinión de lectora , es un poco atrevido calificar la Fuente de Duchamp o la obra de Manzoni de mamarrachadas cuando el autor del artículo no ha sabido contextualizarlas como se debe. Quizás si se explicaran de otra manera ciertas obras de arte no se seguiría fomentando el desconocimiento del público hacia ellas.
De hecho una de los mejores inventos que ha hecho el hombre es la contextualización. Un buen discurso lo puede vender todo.
Atónita me quedo ante la ignorancia del redactor. No soy experta en arte, pero no hace falta serlo para entender que parte del arte contemporáneo es a menudo conceptual. No intenta recrear la realidad tal como es (la fotografía ya permite hacerlo en mucho menos tiempo y con resultados más fieles) sino reflexionar, incluso filosofar sobre aquello que nos rodea. Dicho esto, el calcetín de Tàpies está perfectamente realizado, lo que demuestra que el artista dominaba la técnica escultórica, los materiales, las proporciones, etc. El tema te puede interesar o no, pero de ahí a decir que no es arte porque no lo entiendes…
―Pero si son mierda.
―Y al mismo tiempo son arte. Obras exquisitas de arte. Son literalmente increíbles.
―No, son literalmente mierda, eso es lo que son literalmente.
—El canal del sufrimiento, Foster Wallace—
No he leído ese relato, pero precisamente Wallace desarrolla en toda su obra una crítica al espectador postmoderno (superficial) que no se para ni cinco minutos a reflexionar sobre las obras de arte.
Muy bien, pues yo ya he hecho mi propia «reflexión» (la mía propia, no la «políticamente correcta», ni la «teledirigida» por los expertos y estoy con los «escépticos»:
Son mamarrachos. Quizás pueda admitir como «arte» los tres primeros como un «acto de cambio».
Ya que estamos «conceptuales», que hay del «concepto» de que todo ese «arte» se venda en por decenas de millones de Euros a «compradores anónimos»?.
A mi, lo que me parece es un auténtico escarnio y tiene mucho más que ver con la especulación y el dinero negro que con la «epiestemología» y la «hermenéutica».
Tampoco por que tiene que ser «inculta» ni «insensible», una persona que no aprecia ese «arte», cuando el arte, es (faltaría más) algo muy libre y subjetivo de apreciar.
Es que Duchamp precisamente quería decir que el arte es una mentira, y muchos otros artistas conceptuales también, como la mierda de Manzoni, por ejemplo.
En muchos casos, yo también estoy en contra del arte. Es que todo el arte conceptual quiere desarmar toda esa hipocresía. ¿No te das cuenta que el arte conceptual, al ser mental, prescinde de su materialidad y no tiene sentido su venta? Rechazan el coleccionismo y el materialismo, que es lo que estás defendiendo.
Lo gracioso del tema es que muchos de estos artistas conceptuales que rechazan el coleccionismo y el materialismo acaban viviendo de vender a precio de oro -ya sea a museos o a particulares- fotografias y videos que dan testimonio de sus inmateriales obras de arte.
Lo mejor entonces está por venir. Algún día los artistas explicarán su idea conceptual por whatsapp, y eso es todo amigos. Ni obra física ni pocas. La idea y el concepto al poder.
Algún día no, está ya explicado. Romper la autonomía del arte, desmaterializar el objeto artístico, cuestionar la autoría, resaltar las propiedades contextuales de las obras, demostrar que la concepción de que algo es arte depende de las convenciones sociales, etc.
Es más, ni idea ni concepto. El pensamiento puro y duro. La forma más abstracta del arte de
…se me olvidaba, museo cocconut, lo mejor en conceptualismo
A los que añaden a la lista el Ecce Homo de Borja:
El título habla de troles del arte, es decir, jetas que buscan más llamar la atención que expresar alguna inquietud artística. No creo que sea el caso de la señora que «retocó» el Ecce Homo
No la señora, seguro que no. En cambio las bodegas (puede buscarlas por internet solo falta que les hagamos publicidad) que le pagan «una pasta», por sus creaciones….
Este artículo es equivalente a preguntarle a un periodista de moda cuál de dos barnices sobre una madera envejecerá mejor. Los años que tengas no te han enseñado suficiente, y no has leído ni dedicado el tiempo de aquellos que pueden argumentar sobre arte sin demostrar que saben muy poco.
Con mucho respeto opino que salvo la obra de Duchamp y la media que no está mal, ninguna de estas obras merecen llamarse arte. No hay explicación, lectura, ni contexto que pueda justificar el atrevimiento de sus artistas. Lo que gusta aquí la morbidez que genera el deseo temerario y transgresor de quienes firman estas obras. Arte no es solo creersela. Tiene que haber una técnica, un esfuerzo: una dificultad.
Ayudaría a toda esta majadería psiquiatrica (en el buen sentido) el uso adecuado de la palabra; «obra artística» si (como actividad de vagos o algo que se acerca a eso del, ejem… Arte) Obra de arte…? Pues sólo algunas (las cachondas que no cuesten un dineral a los desprevenidos contribuyentes o gozosos receptores
Faltan Mike Nedo y metal alemán.
Di tu argo desto Isabeeeeel
Ay Par Favarrrrrrrrrrrrrrrrrrrrr
http://sdrc.lib.uiowa.edu/dada/blindman/2/05.htm
Está claro, el concepto es el concepto (Manuel Manquiña en «Airbag»)
Artículo muy entretenido, voy a hacer mi aportación como troll al sr Rothko que con el rollo de la abstracción…
Cualquier artista conceptual fan de los ready mades y de las ideas sin ningún tipo de manufactura estética es un trol del arte. Por lo tanto es bastante idiota colocar a Cy Twombly y a Tapies en ese mismo saco, en la misma camada de fríos y esquemáticos intelectualoides… no tiene sentido. Tapies es mas que esa escultura de calcetín y Cy Twombly mas que ese garabato colocado tan al azar. Si vas intentar juzgarlos, mínimamente coloca hartos trabajos de ellos. Recuerda que la ignorancia también es bien atrevida.
Si queréis arte nada mejor que el Real Madrid.
para mi Marcel Duchamp, Jhoan Roa y Piero Manzoni son los mayores trolls del arte, pero genios y con una creatividad inigualable